Caza Brothers Antiguo Bronce Escultura Monedas Floreros Romano Griego Helénica

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Caza Brothers Antiguo Bronce Escultura Monedas Floreros Romano Griego Helénica Esta ficha técnica del producto ha sido originalmente escrita en inglés. A continuación puede encontrar una traducción automática al español. Si usted tiene alguna pregunta por favor póngase en contacto con nosotros.

Riqueza del Mundo Antiguo. Colecciones Nelson Bunker Hunt y William Herbert Hunt.

DESCRIPCIÓN: Tapa blanda: 329 páginas. Editorial: Museo de Arte Kimbell en asociación con Summa Publications; (1984). Este libro ofrece una oportunidad sin precedentes para examinar el arte, las actitudes y las aspiraciones de la antigüedad clásica, una época muy lejana a la nuestra, pero que todavía nos marca con fuerza, social y culturalmente. La exposición abarca más de mil años, desde el período arcaico en Grecia y Etruria a través del rico estilo de Sicilia y el sur de Italia hasta los períodos helenístico y romano. Esta época fue testigo del cambio de poder de Atenas a Roma y el triunfo final de Oriente con el establecimiento de la nueva capital en Constantinopla. Como demostrará la exposición, los antiguos convirtieron incluso su forma de riqueza más prosaica, su acuñación, en objetos de gran refinamiento y arte. De las 112 monedas seleccionadas de la colección de Nelson Bunker Hunt -considerada ahora una de las mejores en manos privadas- muchas destacan por su rareza, estado o importancia histórica, pero casi todas exhiben cualidades que las distinguen como obras de arte.

Es bien sabido que los vasos griegos se encuentran entre los mayores legados artísticos de la antigüedad. Su decoración se deriva de la vida cotidiana, así como de la rica tradición del teatro y la literatura griega. Los quince ejemplos que componen la colección de Nelson Bunker Hunt, todos los cuales serán exhibidos, incluyen piezas de figuras negras y rojas de talleres corintios, áticos y del sur de Italia. El bronce disfrutó de una gran importancia en la antigüedad como medio principal para la escultura "pura", aunque hoy en día también podemos apreciar la decoración imaginativa de objetos utilitarios en bronce. Ambos aspectos del arte del bronce se reflejan en las treinta y ocho piezas de la Colección William Herbert Hunt. Entre ellos se encuentran reconocidas obras maestras del retrato y la pequeña estatuaria. En la primera muestra pública de la mayoría de las obras de arte antiguas reunidas recientemente por los hermanos Hunt, esta exposición demostrará que el genio del arte clásico no se limitó a la escultura monumental en piedra, sino que encontró una expresión elocuente y muy refinada en el trabajo de los dibujantes. , metalúrgicos y troqueladores también. Las oportunidades de ver las artes de la antigüedad clásica son inusuales. Debido a las muchas piezas espectaculares, raras y, en varios casos, únicas incluidas en la selección, este libro hizo una contribución importante al conocimiento del tema.

ESTADO: COMO NUEVO. Prácticamente sin leer (pero con una apariencia muy suave en las cubiertas). Museo de Arte Kimbell (1983) 329 páginas. El libro parece prácticamente sin leer, tal vez se hayan hojeado las primeras 10 a 15 páginas. SIN EMBARGO, el propietario original escribió su nombre (de forma muy compacta, en tinta negra) y "1983" cerca del borde superior de la primera página (casi en blanco) del libro, inmediatamente después y de cara a la portada. El año 1983 fue el año de publicación y el año de la exposición... por lo que es muy probable que esta copia haya sido adquirida en la concesión de la exposición. Excepto por el nombre del propietario original en la primera página libre, las páginas están limpias, nítidas, (por lo demás) sin marcar, sin mutilaciones, encuadernadas firmemente y "no leídas" en el sentido de que está bastante claro que nadie ha "leído" nunca el documento. libro. Por supuesto, siempre es posible que algunos buscadores de librerías hayan hojeado el libro mientras estaba en el estante del librero, lo cual siempre es una posibilidad con cualquier libro que haya viajado a través de los canales normales de distribución minorista que incluirían librerías tradicionales ("ladrillo y mortero"). Además de eso, también es posible que el propietario original haya hojeado el libro, tal vez mirando las ilustraciones. Sin embargo, no hay indicios de que el libro haya sido leído alguna vez, aparte de los más débiles indicios de que alguien pudo haber hojeado las primeras 10 o 15 páginas del libro. Y eso se basa principalmente en la presunción de que, dado que el libro tiene 40 años... alguien, en algún lugar, en algún momento debe haberlo hojeado al menos las primeras páginas... incluso si sólo hay indicios débiles. Desde el exterior, las cubiertas evidencian un desgaste muy suave en los bordes y las esquinas. Los libros grandes y pesados ​​como este son difíciles de manejar y, por lo tanto, tienden a mostrar un desgaste acelerado de los estantes, con frecuencia se arrastran a través de los estantes y se golpean contra los bordes de los estantes, ya que, debido a su tamaño y peso, con frecuencia son víctimas de una revisión descuidada, perezosa o torpe. estantería. En este caso, hay un pequeño pliegue (1 pulgada x 2 pulgadas) en la esquina inferior abierta de la contraportada. Esto generalmente es causado por alguien que intenta colocar el libro entre dos libros adyacentes que ya están bien colocados. Entonces, la cubierta comienza a doblarse hacia atrás y, en este caso, la esquina inferior de la cubierta posterior se dobló y formó una pequeña pero pronunciada marca de pliegue. Es una estantería muy común que se encuentra con libros de tapa blanda de gran tamaño. De lo contrario, sólo se produce un ligero roce y raspaduras a lo largo de los bordes y esquinas de las cubiertas, que hicimos lo mejor que pudimos para "retocar", y hay algunas raspaduras y algunos pequeños "golpes" en las superficies planas de las cubiertas. Excepto por el pliegue en la esquina inferior abierta de la contraportada y el hecho de que el propietario original escribió su nombre en la primera página libre del libro, el estado general del libro no está muy lejos de lo que podría pasar como "nuevo". existencias de una librería tradicional de estantería abierta (como Barnes & Noble, Borders o B. Dalton, por ejemplo) donde a los clientes se les permite explorar las existencias abiertas, por lo que, por lo demás, los libros "nuevos" a menudo muestran una poco desgaste por manipulación/estante/examen, en general simplemente por el manejo rutinario y la terrible experiencia de estar constantemente archivado y vuelto a archivar. Satisfacción incondicionalmente garantizada. En inventario y listo para ser enviado. Sin decepciones, sin excusas. ¡EMBALAJE MUY ACOLCHADO Y SIN DAÑOS! ¡Descripciones meticulosas y precisas! Venta en línea de libros de historia antigua raros y agotados desde 1997. ¡Aceptamos devoluciones por cualquier motivo dentro de los 30 días! #068c.

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RESEÑA DEL EDITOR:

Formato largo. Arte exhibido en el Museo de Arte Kimball; Museo de Bellas Artes de Virginia; Instituto de Arte de Detroit; Museo de Arte de Dallas; 1983.. Un gran libro de arte que cubre monedas antiguas y antigüedades propiedad de los infames Hunt Brothers. Esto seguirá siendo una valiosa referencia sobre monedas y antigüedades de gran importancia. El contenido de este libro incluye: Los jarrones de Nelson Bunker Hunt - Los bronces de William Herbert Hunt - Las monedas de Nelson Bunker Hunt - Notas para entradas de monedas - Títulos abreviados de referencias - Glosario - Mapas - Apéndices e índices. Muchas ilustraciones, con 16 a todo color.

RESEÑA: Dietrich von Bothmer es presidente del Departamento de Arte Griego y Romano del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Alan L. Boegehold es profesor de clásicos en la Universidad de Brown.

RESEÑA: Historiador del arte clasicista y experto en vasijas, Conservador de arte griego y romano del Museo Metropolitano de Arte. Nacido en una familia aristocrática de Hannover, Bothmer trabajó en su juventud para el artista y escultor expresionista alemán Erich Heckel. Su hermano mayor, Bernard von Bothmer, se incorporó a los museos de Berlín en 1932 como egiptólogo y el joven Bothmer decidió dedicarse personalmente a los museos. Estudió un año en la Friedrich Wilhelms Universität de Berlín antes de recibir una beca de la Fundación Cecil Rhodes para estudiar en Oxford en 1938.

En Oxford conoció a JD Beazley con quien estudiaría. Bothmer recibió su diploma en 1939 en Estudios Clásicos. Luego realizó una extensa visita a los Estados Unidos, visitando museos y enviando información sobre jarrones clásicos a Beazley, quien luego la incorporó en sus monografías posteriores ("Attic Black-Figure Vase Painters", 1956, y "Attic Red-Figure Vase Painters". ", segunda edición, 1963). Estudió en la Universidad de California, Berkeley, 1940-1942, con el clasicista y erudito del florero HR W. Smith. Bothmer fue becario en la Universidad de Chicago durante un año en 1942 antes de regresar a Berkeley para completar su doctorado. en 1944.

El sentimiento anti-alemán era fuerte, Bothmer se unió al ejército de los EE. UU. Aunque no era ciudadano, y fue asignado al teatro del Pacífico Sur. Allí fue herido en acción, llevando a un compañero soldado varias millas a través de las líneas enemigas, y recibió una Estrella de Bronce y un Corazón Púrpura por sus logros heroicos y la ciudadanía estadounidense. Fue desmovilizado en 1945. El hermano de Bothmer, que también había venido a los Estados Unidos como curador en Brooklyn, presentó al joven Bothmer a curadores, entre ellos Gisela Marie Augusta Richter, curadora de objetos griegos y romanos, quien lo invitó a ocupar un puesto en su departamento como asistente curatorial. .

Bothmer permaneció en el Metropolitan el resto de su carrera. Se estableció en el mundo social de Nueva York, uniéndose a las veladas de la benefactora del arte Josephine Porter Boardman Crane (1873-1972), entre otros. Eventualmente cayó en desacuerdo con el director del Met, notoriamente antiarqueólogo, Francis Henry Taylor. En 1959, Bothmer ascendió a curador. El mismo año fue elegido presidente del comité americano para el Corpus Vasorum Antiquorum, cargo que ocupó hasta 1983. En esta capacidad, es autor de dos fascículos en el CVA, uno para el Museo de Bellas Artes de Boston y otro para el Metropolitan.

En 1965 fue nombrado profesor adjunto en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York y recibió una beca Guggenheim al año siguiente. Se casó con la heredera del petróleo (y viuda del marqués Jacques de la Bégassière) Joyce Blaffer (n. 1926), quien comenzó a hacer importantes donaciones al Met. En 1990, a Bothmer se le concedió el puesto de curador de investigación distinguido en el Metropolitan. El Met nombró a las dos principales galerías de cerámica clásica "Bothmer Gallery I" y "Bothmer Gallery II" (financiadas por su esposa) en su honor en 1999. 

A lo largo de su vida, recibió doctorados honorarios de las universidades de Oxford, Trier y Emory, fue nombrado Chavalier de la Legion d'Honneur y miembro tanto de la Académie française como del Deutsches Archäologisches Institut (DAI). El hermano de Bothmer, Bernard, era egiptólogo e historiador del arte en la Universidad de Nueva York. La carrera de Bothmer en el Metropolitan fue a menudo controvertida. En 1967, el director financiero del museo, Joseph V. Noble and Bothmer, anunció que un famoso caballo de bronce adquirido en 1923 por el museo era una falsificación basada en motivos estilísticos y pruebas de rayos gamma.

La pareja hizo un anuncio público y quitó el caballo de la vista. Sin embargo, Carl Bluemel dudó de sus hallazgos estilísticos al igual que el curador de arte griego y romano en el Museo de Bellas Artes de Boston, Cornelius Vermeule. Cuando posteriormente se realizaron pruebas técnicas más sofisticadas, se demostró que el trabajo era auténtico. Bothmer también fue acusado de que su afán por conseguir piezas excelentes para el Museo se tradujo en recompensas a comerciantes y ladrones sin escrúpulos.

El Met vendió gran parte de su colección de monedas para pagar la adquisición, lo que indignó tanto a los profesionales del museo como a los arqueólogos. La procedencia turbia del jarrón llevó a muchos arqueólogos a creer que recientemente había sido excavado ilegalmente en un sitio arqueológico italiano, probablemente Cerveteri. Aunque Bothmer y el director metropolitano Thomas Hoving insistieron en que la vasija se había hecho pedazos en una colección familiar en Beirut, Hoving admitió más tarde en 1993 que la evidencia ubicada para la colección de Beirut nunca formó parte de la crátera Euphronios del Met. La crátera fue repatriada en 2006.

RESEÑA: Dietrich Felix von Bothmer (1918–2009) fue un historiador de arte estadounidense nacido en Alemania, que pasó seis décadas como curador en el Museo Metropolitano de Arte, donde se convirtió en el principal especialista mundial en el campo de los jarrones griegos antiguos. Von Bothmer nació en Eisenach, Alemania el 26 de octubre de 1918. Ardiente oponente de la dictadura nazi, von Bothmer asistió a la Universidad Friedrich Wilhelms de Berlín y luego fue al Wadham College, Oxford en 1938 con la última beca Rhodes otorgada en Alemania. Allí trabajó con Sir John Beazley en sus libros Pintores de jarrones de figuras rojas del ático y Pintores de jarrones de figuras negras del ático, trabajando en colaboración para agrupar obras al identificar a los artesanos y talleres individuales que habían creado cada uno de los cientos de jarrones griegos. Se graduó en 1939 con especialización en arqueología clásica.

Una gira por museos en los Estados Unidos en 1939 dejó a von Bothmer atrapado allí con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Debido a sus fuertes sentimientos antinazis, se negó a regresar a Alemania y escapó por poco de ser enviado de regreso a Alemania en contra de su voluntad. Obtuvo su doctorado en la Universidad de California, Berkeley en 1944. Aunque aún no era ciudadano, en 1943 se ofreció como voluntario para el ejército de los Estados Unidos. Después de 90 días en el ejército de los EE. UU., prestó juramento como ciudadano estadounidense en marzo de 1944. Sirvió en el teatro de operaciones del Pacífico, ganando la Medalla de la Estrella de Bronce y el Corazón Púrpura por un acto de valentía conspicuo el 11 de agosto de 1944, mientras prestaba servicio en el Pacífico Sur, donde, a pesar de haber sido herido en el muslo, el pie y el brazo , recuperó a un camarada herido y lo llevó tres millas a través de las líneas enemigas.

  Después de completar su servicio militar, fue contratado por el Museo Metropolitano de Arte en 1946 y fue nombrado curador en 1959. En 1973, era presidente del departamento y en 1990 fue nombrado curador de investigación distinguido. El Gobierno de Italia exigió la devolución del objeto, citando afirmaciones de que el jarrón había sido sustraído ilegalmente de un antiguo sitio etrusco cerca de Roma. La crátera fue una de las 20 piezas que el museo envió a Italia en 2008 a cambio de préstamos de varios años de artefactos antiguos que se exhibieron en el Met, como parte de un acuerdo alcanzado en 2006.

La exhibición de Von Bothmer de 1977 "Tesoros tracios de Bulgaria" cubrió veinte siglos de cultura tracia, con más de 500 obras de arte que datan de la Edad del Cobre. La muestra de 1979 "Arte griego de las islas del Egeo" incluyó 191 piezas, de las cuales 46 procedían del Met y un número similar del Louvre. El resto provino de varios museos diferentes en Grecia, incluida la escultura cicládica más grande conocida, que data del 2700 al 2300 a. C., prestada por el Museo Arqueológico Nacional de Atenas. Una exposición de 1985 basada en su investigación, "El pintor de Amasis y su mundo: pintura de jarrones en el siglo VI a. C. en Atenas", incluyó 65 obras de un solo artista que creó su cerámica 2500 años antes, el primero en documentar la historia del trabajo de un solo artesano de ese período antiguo como un espectáculo de un solo hombre.

Los numerosos trabajos publicados de Von Bothmer en este campo incluyen "Amazonas en el arte griego" de 1957, "Arte antiguo de las colecciones privadas de Nueva York" y "Investigación sobre la falsificación de los guerreros etruscos de terracota en el Museo Metropolitano de Arte" (con Joseph V Noble), ambos publicados en 1961, "Greek Vase Painting: an Introduction" en 1972, su libro de 1985 "The Amasis Painter and His World: Vase-Painting in Sixth-Century BC Athens", su libro de 1991 "Glories of the Past : Ancient Art from the Shelby White and Leon Levy Collection", y en 1992,"Euphronios, peintre: Actes de la journee d'etude organisee par l'Ecole du Louvre et le Departement des antiquites grecques, etrusques de l'Ecole du Louvre ". También contribuyó en 1983 a "Wealth of the Ancient World (Hunt Art Collections), a "Development of the Attic Black-Figure" Edición revisada (Sather Classical Lectures)" en 1986, y una amplia variedad de otras publicaciones. Ocupó un puesto docente en 1965 en el Instituto de Bellas Artes, el programa de posgrado en historia del arte mejor clasificado del país, según el estudio de 1994 del Consejo Nacional de Investigación.

Von Bothmer recibió numerosos premios y menciones, incluido un Chevalier de la Légion d'honneur; miembro de la Académie française (uno de los dos únicos estadounidenses en tener este honor); miembro honorario de Wadham College; y varios doctorados honorarios. Complementando su carrera como curador y académico, se desempeñó en el Consejo Asesor de Arte de la Fundación Internacional para la Investigación del Arte (IFAR). Von Bothmer, residente tanto del distrito de Manhattan de la ciudad de Nueva York como de Oyster Bay, Nueva York, murió a los 90 años el 19 de octubre de 2009 en Manhattan. Su hermano fue el renombrado egiptólogo Bernard V. Bothmer, quien murió en 1993.

REVISIÓN PROFESIONAL:

Una magnífica colección de arte antiguo. Reconocidos no solo por su manipulación del mercado de la plata, los hermanos Hunt también acumularon una colección de arte antiguo raro. Este es un documental del arte, principalmente estatuas de bronce de origen griego y romano, jarrones griegos y monedas griegas y romanas excepcionalmente raras. Muchos de estos especímenes son muy raros y no se encuentran descritos ni fotografiados excepto en este catálogo. Ricamente ilustrado junto con una narrativa erudita y enriquecedora. Sin duda un “no te lo pierdas”.

REVISIÓN DEL LECTOR:

Los hermanos Hunt (de la infamia) ganaron fama en todo el mundo numismático por la colección de monedas antiguas romanas y griegas excepcionalmente raras y excepcionalmente finas. El aficionado serio de las monedas antiguas no se sentirá decepcionado aquí, ya que se muestra la colección completa. La colección de los hermanos Hunt fue quizás menos famosa por su colección de jarrones áticos y corintios igualmente raros; y sus bronces grecorromanos. Este libro único, a gran escala ("del tamaño de una mesa de café", por así decirlo), presenta estos raros artefactos tanto en imágenes como en descripciones y, francamente, es emocionante. El catálogo es difícil de encontrar, pero vale la pena el esfuerzo. Solo en raras ocasiones se encuentra tal acumulación de obras de arte antiguas en un solo catálogo. Bien escrito, fotos suntuosas, sin duda un “diez”.

ANTECEDENTES ADICIONALES:

Cerámica griega antigua: La cerámica es virtualmente indestructible. Aunque puede romperse en pedazos más pequeños (llamados fragmentos), estos tendrían que ser triturados manualmente hasta convertirlos en polvo para poder eliminarlos del registro arqueológico. Como tal, hay una gran cantidad de material de estudio, y esto es excepcionalmente útil para los estudiosos modernos. Además de ser una excelente herramienta para la datación, la cerámica permite a los investigadores ubicar sitios antiguos, reconstruir la naturaleza de un sitio y señalar evidencia de comercio entre grupos de personas. Además, las vasijas individuales y su decoración pintada se pueden estudiar en detalle para responder preguntas sobre la religión, la vida cotidiana y la sociedad.

Hechas de terracota (barro cocido), las vasijas y tazas de la antigua Grecia, o "jarrones", como se les llama normalmente, se modelaron en una variedad de formas y tamaños, y muy a menudo la forma de una vasija se correlaciona con su función prevista. Por ejemplo, la crátera se usó para mezclar agua y vino durante un simposio griego (una fiesta de bebida solo para hombres). Permite que una persona vierta líquidos en su amplia abertura, revuelva el contenido en su recipiente hondo y acceda fácilmente a la mezcla con un cucharón o una jarra pequeña por separado. O bien, el jarrón conocido como hydria se usaba para recolectar, transportar y verter agua. Cuenta con un cuerpo bulboso, un pico apretado y tres asas (dos a los lados para sujetar y una estirada a lo largo de la parte posterior para inclinar y verter).

Para hablar de las diferentes zonas de los vasos, los especialistas han adoptado términos que se relacionan con las partes del cuerpo. La abertura de la olla se llama boca; el tallo se denomina cuello; la pendiente desde el cuello hasta el cuerpo se llama hombro; y la base se conoce como el pie). En el exterior, los jarrones griegos exhiben composiciones pintadas que a menudo reflejan el estilo de un período determinado. Por ejemplo, las vasijas creadas durante el Período Geométrico (alrededor de 900-700 a. C.) presentan patrones geométricos, como se ve en el famoso ánfora de Dipylon (abajo), mientras que las decoradas en el Período Orientalizante (alrededor de 700-600 a. C.) muestran procesiones de animales y Motivos del Cercano Oriente.

Más tarde, durante los Períodos Arcaico y Clásico (circa 600-323 a. C.), las pinturas de vasijas muestran principalmente actividades humanas y mitológicas. Estas escenas figurativas pueden variar ampliamente, desde eventos de la vida diaria (p. ej., buscar agua en la casa de la fuente) hasta hazañas heroicas y cuentos homéricos (p. ej., Teseo y el toro, Odiseo y las sirenas), del mundo de los dioses (p. ej., Zeus raptando a Ganímedes) a representaciones teatrales y competiciones atléticas (por ejemplo, la Orestíada, carreras de carros). Si bien es importante enfatizar que tales escenas pintadas no deben considerarse como fotografías que documentan la realidad, aún pueden ayudar a reconstruir la vida y las creencias de los antiguos griegos.

Para producir los colores rojo y negro característicos que se encuentran en los jarrones, los artesanos griegos usaban arcilla líquida como pintura (denominada “barbotina”) y perfeccionaban un complicado proceso de cocción en tres etapas. No solo tenían que apilarse las ollas en el horno de una manera específica, sino que las condiciones en el interior tenían que ser precisas. Primero, la temperatura se elevó a unos 800° centígrados y las ventilaciones permitieron un ambiente oxidante. En este punto, todo el jarrón se volvió de color rojo. Luego, al sellar las rejillas de ventilación y aumentar la temperatura a alrededor de 900-950° centígrados, todo se volvió negro y las áreas pintadas con la barbotina se vitrificaron (transformadas en una sustancia vítrea). Finalmente, en la última etapa, se reabrieron los venteos y regresaron las condiciones oxidantes al interior del horno.

En este punto, las zonas sin pintar de la vasija volvieron a ser rojas mientras que la barbotina vitrificada (las zonas pintadas) conservaron un tono negro brillante. Mediante la introducción y eliminación de oxígeno en el horno y, simultáneamente, el aumento y disminución de la temperatura, la barbotina se transformó en un color negro brillante. Brevemente, los jarrones griegos antiguos muestran varias técnicas de pintura y, a menudo, son específicas de la época. Durante los períodos geométrico y orientalizante (900-600 a. C.), los pintores emplearon brújulas para trazar círculos perfectos y utilizaron métodos de silueta y contorno para delinear formas y figuras.

Alrededor del 625-600 a. C., Atenas adoptó la técnica de las figuras negras (es decir, figuras de colores oscuros sobre un fondo claro con detalles incisos). Con origen en Corinto casi un siglo antes, la figura negra utiliza la forma de la silueta junto con el color y la incisión añadidos. La incisión implica la extracción de la barbotina con un instrumento afilado, y quizás su aplicación más magistral se encuentre en un ánfora de Exekias. A menudo descritos como Aquiles y Ajax jugando un juego, los guerreros sentados se inclinan hacia el centro de la escena y están vestidos con prendas que presentan intrincados patrones incisos. Además de mostrar figuras definidas de manera más realista, los pintores de figuras negras se preocuparon por diferenciar el género con el color: las mujeres fueron pintadas con blanco agregado, los hombres permanecieron negros.

La técnica de la figura roja se inventó en Atenas alrededor del 525-520 a. C. y es la inversa de la figura negra. Aquí las figuras de colores claros se colocan sobre un fondo oscuro. Usando color añadido y un pincel para pintar en detalles, los pintores de figuras rojas diluyeron o espesaron el engobe para crear diferentes efectos. El engobe diluido o “esmalte diluido” tiene la apariencia de un lavado y se usó para el cabello, el pelaje y la anatomía, como lo ejemplifica el pelaje incompleto de la liebre y la musculatura del joven en el interior de esta copa de Gorgos. Cuando se espesaba, el engobe se usaba para formar las llamadas "líneas de relieve" o líneas que sobresalían de la superficie, y se empleaban a menudo para delinear formas. Sorprendentemente similar a la figura roja es la técnica de fondo blanco.

Aunque visualmente es bastante diferente con sus figuras policromadas sobre un fondo blanqueado, el fondo blanco requiere que el artesano pinte los detalles de las formas al igual que las figuras rojas, en lugar de cortarlas. Junto a figuras y objetos, a veces se pueden encontrar inscripciones. Estos identifican figuras mitológicas, hombres o mujeres hermosos contemporáneos del pintor (inscripciones "kalos" / "kale"), e incluso el propio pintor o alfarero ("egrapsen" / "epoiesen"). Las inscripciones, sin embargo, no siempre son útiles. Imitando la apariencia de un texto significativo, las "inscripciones sin sentido" engañan al espectador analfabeto al colocar las letras griegas de manera incoherente.

La calidad atractiva general de los jarrones griegos, su tamaño relativamente pequeño y, en un momento dado, su naturaleza fácilmente obtenible, los llevó a ser artículos de colección muy codiciados durante los siglos XVIII y XIX. Sin embargo, desde la última parte del siglo XIX, el estudio de los jarrones se convirtió en una actividad académica y su decoración fue la obsesión de los conocedores dotados de la capacidad de reconocer y atribuir las manos de pintores individuales. El conocedor de jarrones más conocido del siglo XX, un investigador preocupado por la atribución, la tipología y la cronología, fue Sir John Davidson Beazley.

Interesado en las técnicas atenienses de figuras negras, rojas y de fondo blanco, Beazley no favoreció los especímenes bellamente pintados; fue imparcial y estudió piezas de diversa calidad con igual atención. A partir de sus exámenes tediosos y exhaustivos, recopiló más de 1000 pintores y grupos, y atribuyó más de 30.000 jarrones. Aunque algunos investigadores desde la muerte de Beazley continúan atribuyendo y examinando el estilo de pintores o grupos específicos, los estudiosos de las vasijas hoy en día también cuestionan la producción técnica de las vasijas, sus contextos arqueológicos, su distribución local y extranjera y su iconografía. [KhanAcademy.org].

Los expertos tienden a hablar de 'Jarrones griegos' y 'Pintura de jarrones griegos', más que de alfarería o cerámica. Esta terminología se utiliza desde hace mucho tiempo y refleja la larga e indiscutiblemente estrecha relación del material con la historia del arte. La erudición de los jarrones griegos se desarrolló a partir de principios del siglo XVIII, cuando se comenzó a descubrir una gran cantidad de ejemplos en Italia.

Las clasificaciones generales de la cerámica griega son las mismas que para cualquier otra: lugar, tiempo, forma, técnica y decoración. La mayoría se ha encontrado en tumbas. Los contextos domésticos son poco comunes porque los sitios fueron reutilizados; se necesita un volcán como el Vesubio para preservar la vida tal como se vivió. Los contextos de santuario son conocidos, pero tampoco son numerosos. Saber dónde se encontró la cerámica no necesariamente confirma la función. Por ejemplo, algunos que se encuentran en las tumbas se hicieron para funerales, pero otros se hicieron inicialmente para otro propósito, se usaron, a veces incluso se repararon, y se enterraron con los muertos, presumiblemente como una posesión preciada.

El enfoque de este artículo es la cerámica fina hecha a torno, cocida a temperaturas relativamente altas y decorada en una variedad de formas, pero hoy en día se conocen grandes cantidades de cerámica griega antigua tosca y sin decorar, y este material no carece de importancia. La mayoría de las personas que hicieron la cerámica más fina probablemente también hicieron otros productos de arcilla, como sarcófagos, tejas, pequeños altares, figurillas de terracota y placas. El único lugar y período donde hubo una producción más especializada de cerámica decorada con figuras más finas es Atenas en los últimos siglos VI y V.

La cerámica hecha en Grecia entre aproximadamente 1000 y 300 a. C. se ha conservado en grandes cantidades. La mayoría de los ejemplos provienen de tumbas descubiertas no solo en Grecia, sino también en muchas partes de la región mediterránea, particularmente en Italia, donde la cerámica se exportaba en grandes cantidades en la antigüedad. La cerámica 'fina' con decoración de figuras, especialmente la fabricada en Atenas entre 625 y 300 a. C., es de gran importancia para los arqueólogos e historiadores porque las formas y estilos de decoración se pueden fechar de cerca, a menudo dentro de los veinte años de fabricación.

La capacidad de los eruditos para reconocer a pintores individuales que vivieron hace más de 2500 años, en ausencia de firmas y documentación literaria contemporánea, ha convertido el estudio de la cerámica griega decorada con figuras en un tema de la Historia del Arte. El conocimiento de los jarrones griegos, particularmente atenienses, es un modelo de excelencia, que combina un examen personal cercano de los objetos con una documentación rigurosa de formas, técnicas y estilos de decoración.

La cerámica griega fue hecha por personas de habla griega. Un número significativo vivía fuera del área reconocida hoy como Grecia. Hay, por ejemplo, una gran cantidad de material de los asentamientos costeros de la Turquía moderna y algunas de sus islas frente a la costa, particularmente del siglo VI. La cerámica de estilo griego también se hizo en el Mediterráneo occidental, por ejemplo, en el sur de Italia y Sicilia, desde finales del siglo V. La interacción entre griegos y no griegos afectó las formas, técnicas y decoración de la cerámica griega.

La cerámica pintada griega tiene una larga historia. Convencionalmente, los ejemplos más antiguos están fechados alrededor del 1000 a. C., el último alrededor del 300 a. C. La tradición se remonta a la cerámica de la Edad del Bronce (cretense y micénica), y continúa hasta la época helenística posterior, pero ambos grupos son lo suficientemente diferentes de los principales. secuencia que tienden a estudiarse por separado. ¿Qué mantiene unida la secuencia principal? La respuesta es la historia política, social y económica, tanto como el conocimiento de la cerámica y la pintura transmitidos de generación en generación. Convencionalmente, la cerámica más fina de estos 700 años se divide en grupos, por siglos o medio, incluso cuartos de siglo, según estilos y técnicas de decoración.

Debido a que la cerámica se puede fechar de cerca, a menudo dentro de los 20 o 25 años, a través de fechas absolutas y relativas, existe una tendencia a usarla para datar otros tipos de objetos, que se encuentran tanto en Grecia como en las tierras donde los griegos viajaron, comerciaron y se establecieron. . También hay una tendencia a utilizar términos adoptados para estilos de decoración de cerámica para denotar períodos de tiempo. Por ejemplo, la gente suele hablar de 'Grecia geométrica', pero esta terminología no es precisa y debe evitarse; 'Atenas geométrica' no es lo mismo cronológicamente que 'Corinto geométrico'.

Los buenos manuales presentan la cerámica griega en orden cronológico, con subsecciones dedicadas a las regiones. Solo Atenas ocupa un lugar destacado como centro de producción en todos los períodos, y es por esta razón que se utiliza el ateniense en la siguiente breve introducción a los principales estilos y técnicas. En los estilos Protogeométrico y Geométrico la técnica no suele ser más que pintura oscura sobre fondo claro. "Orientalizante" es el nombre dado al siguiente estilo, producido en una variedad de técnicas, bajo una creciente influencia oriental desde alrededor del 700 a. C. Algunos griegos, entre ellos los atenienses, delinearon sus figuras en cerámica, como podrían haberlas pintado en las paredes.

Otros, inicialmente los corintios, incidieron detalles en la silueta de las figuras con una herramienta afilada, como si hubieran cincelado una decoración sobre metal. Durante un siglo o más, dependiendo de dónde vivieran, los griegos desarrollaron ciudades-estado, algunas bajo poderosos tiranos, y obtuvieron acceso a bienes de "lujo" más orientales. A partir de pequeños objetos portátiles, por ejemplo, de metal o hueso/colmillo de animal, tomaron motivos decorativos comunes y los adaptaron a sus propias necesidades. Sin embargo, el disfrute de los lujos orientales estuvo restringido desde mediados del siglo VI, después de lo cual los persas comenzaron a conquistar los asentamientos griegos en el este e incluso a amenazar a los griegos en casa.

Aunque nunca fue tan célebre artísticamente como Atenas ni tan renombrada militarmente como Esparta, la ciudad-estado de Corinto fue, no obstante, un actor importante en el renacimiento de Grecia durante el primer millennium a. Siglo V a. C. Su ubicación geográfica favorable -situada en el istmo entre el Peloponeso y el Ática, con fácil acceso al Adriático en el oeste y al Egeo en el este- y su peculiar habilidad para prosperar apoyaron una historia accidentada desde el Neolítico hasta los más allá del saqueo de Corinto por los romanos en 146 a.

Mapa del relato de CornthareaPausanias sobre su visita a Corinto en el siglo II d. C. registra la variedad de mitos asociados durante mucho tiempo con la zona: la cerda de Krommyon asesinada por Teseo, el bandolero Sinis que despedazó a sus víctimas entre dos pinos flexionados, la fundación de los Juegos ístmicos de Sísifo, así como los muchos edificios antiguos que aún se mantienen en pie, desde el arcaico Templo de Apolo hasta los manantiales de Peirene, desde el rico Ágora hasta el Santuario de Afrodita. El término de Estrabón para estas reliquias de la ciudad anterior, 'Necrocorinthia', fue utilizado por Humfrey Payne como título de su importante libro de 1933 sobre la cerámica de Corinto.

Desde el siglo VIII a. C., muchos otros asentamientos locales fueron atraídos por la rica llanura costera, los numerosos manantiales, los puertos de Lechaion y Kenchriai, y la escarpada acrópolis de Acrocorinth que brindaba protección, con el resultado de que Corinto estaba en condiciones de expandirse. establecer colonias en el extranjero, sobre todo en Corfú y Sicilia, y perseguir un mayor comercio exterior. La primera excavación arqueológica moderna fue realizada por los alemanes en 1886. A partir de 1896, la Escuela Estadounidense de Estudios Clásicos de Atenas continuó con las excavaciones sistemáticas.

Se ha descubierto algo de cerámica micénica de finales de la Edad del Bronce y protogeométrica de principios de la Edad del Hierro, pero es el estilo geométrico posterior el que está bien representado. Se han encontrado jarrones corintios hechos en la primera mitad del siglo VIII a. C. en el santuario cercano de Perachora y Delphi más a lo largo del golfo de Corinto, en Aetos en Corfú y en toda Sicilia y el sur de Italia, lo que proporciona a los arqueólogos evidencia de la exploración corintia del mar. rutas y para la datación de sitios.

A finales del siglo VIII, cuando el estilo geométrico estaba llegando a su fin, el contacto de Corinto con el Cercano Oriente fue un estímulo para el estilo orientalizante de la cerámica griega. La evidencia de la excavación del 'barrio de los alfareros', una milla al oeste de Corinto, parecería apoyar este interés resurgente en las mercancías pintadas. Los patrones geométricos tradicionalmente angulares estaban siendo reemplazados por la flora y la fauna curvilíneas que tipifican el estilo protocorintio. Durante gran parte de los siglos VII y VI, Corinto lideró el mundo griego en la producción y exportación de cerámica.

Cuando la cerámica ática reemplazó a la corintia a mediados del siglo VI, Corinto había dejado un importante legado de desarrollos artísticos, no solo en cerámica, sino también en arquitectura, que había prosperado bajo la poderosa y aristocrática familia Bacchiad, como describe Heródoto. Kypselos estableció una monarquía en 657, cuyo sucesor, Periandro, pudo haber sido responsable de la construcción de la vía de piedra (diolkos) por la que se arrastraban los barcos a través del istmo. Muchas guerras a lo largo de los siglos siguientes erosionaron los recursos de Corinto, y la ciudad cayó en manos de Filipo de Macedonia en 338. Su participación con la Confederación Aquea en la Segunda Guerra de Macedonia finalmente la llevó a su saqueo en 146, pero Corinto fue refundada como colonia romana. Cuando Pablo estableció allí una iglesia cristiana primitiva a fines del siglo I d. C., Corinto era una vez más una ciudad espléndida.

Históricamente, Atenas ha recibido gran parte del crédito por evitar que Grecia se convirtiera en parte del Imperio Persa. El siglo V fue su mejor período, documentado en la literatura contemporánea, que ha sobrevivido, y celebrado en el arte monumental, que también ha sobrevivido; el ejemplo más famoso es el Partenón. El siglo V, y finales del VI, fue también el período en el que se hizo la mejor cerámica. Lo que lo distinguió fue la riqueza de la narrativa, la precisión técnica y un fino sentido del diseño estético.

Las propias aspiraciones de Atenas al imperio se desvanecieron a finales del siglo V, después de que entrara en un conflicto desastroso con su rival Esparta, que también está documentado en la literatura contemporánea. Económicamente parece haberse recuperado bastante rápido, pero grandes artistas ya se habían ido a otros lugares en busca de patrocinio. La producción de cerámica también sufrió. En general, la calidad de la forma y la técnica de la decoración tendieron a declinar, dejándonos con la impresión de que la pintura fina se estaba ejecutando en las paredes, ya no en la cerámica.

La relación entre la pintura griega y la cerámica griega ha intrigado a los estudiosos durante mucho tiempo. La cerámica griega, incluso la más fina con decoración de figuras, se ha conservado en cantidad. Hoy en día, se conservan más de 100.000 ejemplos de ateniense, del 600 al 300 a. C., en museos y colecciones privadas de todo el mundo. La pintura griega, por otro lado, del 1000 al 300 a. C. apenas ha sobrevivido. Hay pinturas murales de estructuras palaciegas de la Edad del Bronce y pinturas de tumbas de Macedonia de finales del siglo IV, pero muy pocas de la Grecia continental. El nombre de los pintores de paredes en las fuentes literarias antiguas, la descripción del tema de las pinturas famosas y las discusiones sobre las técnicas hacen que sea irresistible para los estudiosos buscar destellos de este arte perdido.

Rara vez conocemos el nombre antiguo de las formas, aunque tenemos literatura contemporánea. Las imágenes pintadas en la cerámica pueden proporcionar las pistas más confiables para vincular la función con la forma. Las formas muestran continuidad y un notable grado de homogeneidad durante un largo período. Incluso en la Atenas del siglo V, en el apogeo de la producción "fina", apenas hay más de 30. De estos, menos de la mitad son comunes. En general, solo hay una modesta variedad en la técnica, el diseño y los elementos decorativos.

Dominan las figuras; por lo general son humanos y suelen estar enmarcados por patrones que, aunque variados, se derivan de una modesta gama de elementos componentes. La consistencia general, que se debe a la producción a gran escala y bastante sofisticada, y la gran cantidad de ejemplos conservados, ayudaron a Sir John Beazley, entre otros, a clasificar el material. Beazley fue tan meticuloso al registrar los detalles de la cerámica ateniense decorada con figuras de los siglos VI al IV que podía transferirse a la computadora con cambios mínimos.

La forma de arte más cercana que se ha conservado es la pintura sobre cerámica, y la cerámica principal durante el período de los grandes pintores murales es ateniense. Desde alrededor del 600 al 500, las principales técnicas cerámicas fueron figuras negras sobre fondo rojo (figura negra), y alrededor del 500 al 300, una inversión del procedimiento de cocción, dando figuras rojas sobre un fondo negro (figura roja). Ninguna técnica es muy realista, pero ambas son duraderas y explotan el color rojo natural de la arcilla ateniense, rica en hierro.

Una tercera técnica esboza figuras sobre un fondo que se ha blanqueado utilizando una arcilla especial libre de óxidos de hierro, aplicada sobre la arcilla rojiza común. Esta llamada técnica de fondo blanco (fondo blanco) tiene una historia bastante larga, pero es común solo en Atenas durante el siglo V. Da un efecto más realista que las figuras negras y rojas y permite la adición de colores que van desde el amarillo hasta el rosa, el rojo, el violeta y el azul, y probablemente se acerque más a la pintura en paneles y paredes. Sin embargo, la técnica del dibujo suele ser la misma que la de figuras rojas.

Las fuentes antiguas describen los avances realizados en el arte de la pintura, y algunos pueden compararse, en términos generales, con la cerámica ateniense. Aquí hay algunos ejemplos, en orden cronológico. Hasta aproximadamente el 520 a. C., la figura humana se representaba como en todo el arte bidimensional anterior, de perfil o, con menos frecuencia, en una combinación de vistas de perfil y frontales. Luego, en algunas formas grandes de arcilla bien hechas, algunos pintores experimentaron hacia fines del siglo VI con poses más realistas, intentando mostrar el cuerpo humano tal como era en vida, no estilizado como lo había sido en el arte.

También intentaron mostrarlo en movimiento. En las fuentes antiguas (Plinio, Historia Natural 35.55-6) se dice que un hombre llamado Kimon de la ciudad de Kleonai inventó las vistas de tres cuartos en este momento, mostrando figuras en varias poses, mirando hacia arriba, hacia abajo, hacia atrás, etc. ., con partes de sus cuerpos claramente articuladas - huesos y músculos, incluso venas - y ropajes con pliegues y arrugas. Se pueden ver avances similares en la escultura, particularmente en bajorrelieve, aproximadamente al mismo tiempo, pero los primeros pasos hacia el cambio artístico bien pueden haber venido de los dibujantes.

A mediados del siglo V, un pequeño número de formas finas y grandes tienen figuras dispuestas en diferentes niveles, no en una sola línea de fondo como en el arte anterior. En este momento las fuentes antiguas nos dicen que uno de los pintores griegos más famosos, Polygnotos, de la isla norteña griega de Thasos, introdujo figuras en diferentes niveles en pinturas que ejecutó en las paredes de algunos de los edificios más prestigiosos, en Delfos. y Atenas.

A finales del siglo V nos cuentan que Parrhasios y Zeuxis, los más grandes pintores de su tiempo, introdujeron nuevas técnicas. Se dice que el primero usó el contorno de nuevas formas que lograron un mayor realismo, el segundo sombreado. Estos avances técnicos, tan fundamentales para la pintura occidental posterior como el abandono de la vista de perfil rígido a principios de siglo, pueden tener su paralelo en algunas cerámicas de fondo blanco excepcionales fechadas con criterios independientes en torno al 400 a.

Los expertos tienden a hablar de 'Jarrones griegos' y 'Pintura de jarrones griegos', más que de alfarería o cerámica. Esta terminología se utiliza desde hace mucho tiempo y refleja la larga e indiscutiblemente estrecha relación del material con la historia del arte. La erudición de los jarrones griegos se desarrolló a partir de principios del siglo XVIII, cuando se comenzó a descubrir una gran cantidad de ejemplos en Italia.

Las clasificaciones generales de la cerámica griega son las mismas que para cualquier otra: lugar, tiempo, forma, técnica y decoración. La mayoría se ha encontrado en tumbas. Los contextos domésticos son poco comunes porque los sitios fueron reutilizados; se necesita un volcán como el Vesubio para preservar la vida tal como se vivió. Los contextos de santuario son conocidos, pero tampoco son numerosos. Saber dónde se encontró la cerámica no necesariamente confirma la función. Por ejemplo, algunos que se encuentran en las tumbas se hicieron para funerales, pero otros se hicieron inicialmente para otro propósito, se usaron, a veces incluso se repararon, y se enterraron con los muertos, presumiblemente como una posesión preciada.

El elemento final en la clasificación de Sir John Beazley fue la identificación de pintores individuales. Pudo asignar a pintores cerca de la mitad de los jarrones que conocía, aunque fueran fragmentarios o de mala calidad, y estos quedaron registrados en listas que se publicaron desde la década de 1920 hasta 1970, año de su muerte. Desde 1979 estas listas se mantienen actualizadas electrónicamente. [Universidad de Oxford].

Vasijas pintadas de la antigua Grecia: La comparación de piezas anteriores (del Neolítico y principios del bronce [II millennium a. C.]) muestra las mejoras que el torno de alfarero aportó a la finura y formas de las vasijas. Los ejemplos de la Edad del Bronce (todos anteriores al 1100 a. C.) de Chipre, Creta (los llamados artículos 'minoicos') y el continente griego (los llamados 'micénicos') muestran una variedad de artículos tanto burdos como finos, algunos hechos a mano. y otras hechas en torno de alfarero.

La interacción de los griegos y los habitantes del Cercano Oriente se sugiere por las similitudes de estas mercancías con las que usaban sus vecinos orientales, y por la inclusión de motivos "orientales" como leones, esfinges y lotos, especialmente en vasijas arcaicas (aquellas hechas en el período del 700 al 480 a.C.). Las mercancías 'naucratitas' (de Naucratis, un puesto comercial griego en Egipto) muestran la infusión de estilos griegos en Egipto.

En el período arcaico alto (siglos VII-VI a. C.), los corintios fueron los mayores productores de artículos decorados griegos y fueron pioneros en el desarrollo del llamado estilo de figuras negras (figuras negras sobre un fondo rojo). Los atenienses adoptaron este estilo y con él se convirtieron en los principales productores de artículos decorativos en el siglo VI a. C. También experimentaron con más técnicas, de las cuales la más importante se convirtió en el estilo de figuras rojas (figuras rojas sobre fondo negro), que comenzó para ser producido en 530 aC

Después de que Atenas perdiera su fortuna en la Guerra del Peloponeso (431-404 a. C.), muchos de sus artistas buscaron mercados en el extranjero (p. ej., el estilo de Kerch se utilizó para las exportaciones atenienses a la región del Mar Negro en el siglo IV a. C.). Algunos de estos artistas se mudaron al extranjero y establecieron negocios exitosos en el sur de Italia, en las regiones de Sicilia, Apulia, Lucania y Campania, y en ciudades como Gnathia (Egnazia) y Paestum, donde adaptaron el estilo de figuras rojas a las telas locales, formas y decoraciones. Estos y los estilos helenísticos posteriores se beneficiaron especialmente del uso de colores añadidos. [URE Museo de Arqueología Griega].

Los artistas antiguos: Conocemos los nombres de algunos alfareros y pintores de vasijas griegas porque firmaron su obra. Generalmente, un pintor firmaba su nombre seguido de alguna forma del verbo 'pintado', mientras que un alfarero (o quizás el pintor que escribía para él) firmaba su nombre con 'hecho'. A veces, la misma persona puede pintar y pintar: Exekias y Epiktetos, por ejemplo, firman como alfarero y pintor. En otras épocas, el alfarero y el pintor eran personas diferentes y uno o ambos firmaban. Sin embargo, no todos los pintores o ceramistas firmaron toda su obra. Algunos parecen no haber firmado nunca sus jarrones, a menos que por casualidad no se hayan conservado piezas firmadas por estos artesanos.

Incluso en el caso de jarrones sin firmar, a veces es posible, mediante un examen minucioso de los minuciosos detalles de estilo, reconocer piezas del mismo artista. La atribución de jarrones atenienses sin firmar con figuras negras y rojas a pintores anónimos y con nombre fue iniciada en el siglo XX por Sir John Davidson Beazley. Otros académicos han desarrollado sistemas similares para otros grupos de jarrones, en particular el profesor AD Trendall para las mercancías de figuras rojas del sur de Italia. Para facilitar la referencia, Beazley y los demás dieron varios apodos a los pintores anónimos que identificaron.

Algunos llevan el nombre de los alfareros conocidos con los que parecen haber colaborado: los pintores de Brygos y Sotades, por ejemplo, reciben su nombre de los alfareros de esos nombres. Otros pintores reciben el nombre del lugar de hallazgo o la ubicación actual de un jarrón clave, como los pintores de Lipari o Berlín. Algunos, como Burgon Painter, toman sus nombres de propietarios anteriores o actuales de jarrones clave. Otros se nombran a partir de los temas de los jarrones clave, como Niobid, Siren o Cyclops Painters, o bien de las peculiaridades del estilo, como The Affecter o Elbows Out Painters. [Museo Británico]

Cerámica de figuras negras: La cerámica de figuras negras de la antigua Grecia (llamada así por el color de las representaciones de la cerámica) se produjo por primera vez en Corinto, alrededor del año 700 a. permitir que Atenas domine el mercado de la cerámica en el Mediterráneo durante los próximos 150 años. Laconia fue una tercera, aunque menor, productora del estilo en la primera mitad del siglo VI a. C. Las más de 20 000 vasijas de figuras negras sobrevivientes permiten no solo identificar artistas y estudios, sino que también brindan las representaciones más antiguas y diversas. de la mitología griega, prácticas religiosas, sociales y deportivas. Las vasijas de cerámica también son una herramienta importante para determinar la cronología de la antigua Grecia.

Evolucionando de los diseños geométricos anteriores en cerámica, la técnica de figuras negras representaba animales (más favorecidos en Corinto) y figuras de siluetas humanas (preferidas en Atenas) con detalles naturalistas. Antes de la cocción, se aplicó una capa gruesa de un pigmento negro brillante de potasa, arcilla de hierro y vinagre (como fijador) a los jarrones y dio un ligero efecto de relieve. Se agregaron detalles adicionales a las figuras, como músculos y cabello, usando un instrumento afilado para hacer una incisión en el negro para revelar la vasija de arcilla debajo y agregando toques de pintura roja y blanca. Los bordes y bordes de las vasijas a menudo estaban decorados con diseños florales, de loto y de palmetas.

Se adoptaron ciertas convenciones de color, como el blanco para la carne femenina y el negro para el masculino. Otras convenciones eran una forma de almendra para los ojos de las mujeres, circular para los hombres, los niños son como adultos pero en menor escala, los hombres jóvenes no tienen barba, los hombres mayores tienen el pelo blanco y, a veces, se encorvan, y las mujeres mayores tienen una figura más completa. También se hicieron convencionales algunos gestos como el de llevarse la mano a la cabeza para representar el duelo. Otra característica llamativa del estilo es la falta de naturalismo literal. Las figuras a menudo se representan con una cara de perfil y un cuerpo frontal, y los corredores están en la posición imposible de ambos brazos y piernas izquierdos (o derechos) moviéndose hacia adelante. Sin embargo, hubo algún intento de lograr la perspectiva, siendo especialmente populares las vistas frontales de caballos y carros.

Los recipientes típicos de este estilo son las ánforas, los lekythoi (botellas con asa), los kylixes (copas para beber con tallo), las copas simples, las píxidas (cajas con tapa) y los tazones. Los pintores y los alfareros solían ser, aunque no siempre, especialistas separados. El primer jarrón firmado fue de Sophilos y data de alrededor del 570 a. C. Muchos otros pintores individuales han sido identificados con certeza a través de sus firmas (más comúnmente como '... hizo esto') y muchos más artistas sin firmar pueden ser reconocidos a través de su estilo particular.

Quizás el ejemplo más célebre de la técnica es el Vaso Francois, una gran crátera de voluta, de Kleitias (alrededor del 570 a. C.) que mide 66 cm de altura y está cubierta por 270 figuras humanas y animales que representan una asombrosa variedad de escenas y personajes de la mitología griega, incluidos , entre otros, los dioses olímpicos, los centauros, Aquiles y Peleo.

La técnica eventualmente sería reemplazada por la técnica de figura roja (inversa) alrededor del 530 a. retratar de manera más realista la figura humana, eventualmente se convertiría en el estilo favorito de la decoración de la cerámica griega. [Enciclopedia de Historia Antigua].

Cerámica de figuras negras: La pintura de cerámica de figuras negras, también conocida como estilo de figuras negras o cerámica de figuras negras, es uno de los estilos de pintura en los jarrones griegos antiguos. Fue especialmente común entre los siglos VII y V a. C., aunque hay especímenes que datan del siglo II a. C. Estilísticamente, se puede distinguir del período orientalizante anterior y el posterior estilo de cerámica de figuras rojas. Sobre el cuerpo de la vasija se pintaban figuras y ornamentos utilizando formas y colores que recordaban a las siluetas. Los contornos delicados se cortaron en la pintura antes de la cocción, y los detalles se podían reforzar y resaltar con colores opacos, generalmente blanco y rojo.

Los principales centros de este estilo fueron inicialmente el centro comercial de Corinto y más tarde Atenas. Se sabe que otros sitios de producción importantes se encuentran en Laconia, Beocia, el este de Grecia e Italia. Particularmente en Italia se desarrollaron estilos individuales que estaban destinados, al menos en parte, al mercado etrusco. Los jarrones griegos de figuras negras eran muy populares entre los etruscos, como se desprende de las frecuentes importaciones. Los artistas griegos crearon productos personalizados para el mercado etrusco que diferían en forma y decoración de sus productos normales. Los etruscos también desarrollaron su propia industria cerámica de figuras negras orientada a modelos griegos.

La pintura de figuras negras en jarrones fue el primer estilo artístico que dio lugar a un número significativo de artistas identificables. Algunos son conocidos por sus nombres verdaderos, otros solo por los nombres pragmáticos que les dieron en la literatura científica. Especialmente Attica fue el hogar de artistas conocidos. Algunos alfareros introdujeron una variedad de innovaciones que influyeron con frecuencia en el trabajo de los pintores; a veces eran los pintores quienes inspiraban la originalidad de los alfareros. Los jarrones de figuras rojas y negras son una de las fuentes más importantes de mitología e iconografía, y en ocasiones también para investigar la vida cotidiana de la Grecia antigua. Desde el siglo XIX a más tardar, estos jarrones han sido objeto de una intensa investigación.

La base para la pintura de cerámica es el soporte de la imagen, en otras palabras, el vaso sobre el que se pinta una imagen. Formas populares alternadas con modas pasajeras. Mientras que muchos reaparecieron después de intervalos, otros fueron reemplazados con el tiempo. Pero todos tenían un método común de fabricación: después de hacer el jarrón, primero se secaba antes de pintarlo. Los talleres estaban bajo el control de los alfareros, quienes como dueños de negocios tenían una posición social elevada.

No se sabe hasta qué punto los alfareros y los pintores eran idénticos. Es probable que muchos maestros ceramistas hicieran su principal contribución en el proceso de producción como pintores de jarrones, mientras empleaban pintores adicionales. Sin embargo, no es fácil reconstruir los vínculos entre alfareros y pintores. En muchos casos, como Tleson and the Tleson Painter, Amasis and the Amasis Painter o incluso Nikosthenes y Painter N, es imposible hacer atribuciones inequívocas, aunque en gran parte de la literatura científica se supone que estos pintores y ceramistas son la misma persona. . Pero tales atribuciones solo pueden hacerse con confianza si se tienen a mano las firmas del alfarero y del pintor.

Los pintores, que eran esclavos o artesanos pagados como pintores de cerámica, trabajaban en jarrones de cuero seco sin cocer. En el caso de la producción de figuras negras, el tema se pintó en el jarrón con una suspensión de arcilla (una barbotina brillante, en la literatura antigua también denominada barniz) que se volvió negra después de la cocción. Este no era un "color" en el sentido tradicional, ya que este deslizamiento superficial era del mismo material que el jarrón en sí, solo se diferenciaba en el tamaño de las partículas que lo componían. El área de las figuras se pintó primero con un implemento similar a un pincel.

Los contornos internos y los detalles estructurales se cortaron en el engobe para que la arcilla subyacente pudiera verse a través de los rasguños. Se usaron otros dos pigmentos a base de tierra para agregar detalles: rojo y blanco para adornos, ropa o partes de ropa, cabello, crines de animales, partes de armas y otros equipos. El blanco también se usaba con frecuencia para representar la piel de la mujer. El éxito de todo este esfuerzo solo podía juzgarse después de un complicado proceso de cocción en tres fases que generaba el color rojo de la arcilla del jarrón y el negro del engobe aplicado.

Específicamente, la vasija se coció en un horno a una temperatura de aproximadamente 800 °C, y la oxidación resultante convirtió la vasija en un color naranja rojizo. Luego, la temperatura se elevó a aproximadamente 950 ° C con las rejillas de ventilación del horno cerradas y se agregó madera verde para eliminar el oxígeno. El buque luego se volvió completamente negro. La etapa final requería que se reabrieran las ventilaciones para permitir que el oxígeno entrara en el horno, que se dejó enfriar. Luego, el recipiente volvió a su color naranja rojizo debido a la oxidación renovada, mientras que la capa pintada ahora sinterizada permaneció del color negro brillante que se había creado en la segunda etapa.

Aunque la puntuación es uno de los principales indicadores estilísticos, algunas piezas prescinden. Para estos, la forma es técnicamente similar al estilo orientalizante, pero el repertorio de imágenes ya no refleja la práctica orientalizante. La evolución de la pintura de cerámica de figuras negras se describe tradicionalmente en términos de varios estilos y escuelas regionales. Usando Corinto como centro, hubo diferencias básicas en las producciones de las regiones individuales, incluso si se influyeron entre sí. Especialmente en Ática, aunque no exclusivamente allí, los mejores y más influyentes artistas de su tiempo caracterizaron la pintura de cerámica griega clásica.

La técnica de figuras negras se desarrolló alrededor del año 700 a. C. en Corinto y se utilizó por primera vez a principios del siglo VII a. C. por pintores de cerámica protocorintios, que todavía pintaban en el estilo orientalizante. La nueva técnica recordaba a las piezas de metal grabadas, reemplazando las vajillas de metal más costosas por jarrones de cerámica con figuras pintadas. Un estilo característico de figuras negras se desarrolló antes de finales de siglo. Se había renunciado a la mayoría de los elementos orientalizantes y no había adornos excepto rosetas pintadas (las rosetas estaban formadas por una disposición de pequeños puntos individuales).

La arcilla utilizada en Corinto era blanda, con un tinte amarillo, ocasionalmente verde. El disparo defectuoso era una cuestión de rutina, y ocurría cada vez que el complicado procedimiento de disparo no funcionaba como se deseaba. El resultado a menudo era una coloración no deseada de todo el jarrón o de partes de él. Después de la cocción, el engobe brillante aplicado al jarrón se volvió negro opaco. Los colores complementarios rojo y blanco aparecieron por primera vez en Corinto y luego se volvieron muy comunes. Las vasijas pintadas suelen ser de pequeño formato, rara vez superan los 30 cm. Los frascos de aceite (alabastra, aryballos), pixides, kraters, enochoes y copas fueron los vasos pintados más comunes. Los jarrones esculpidos también estaban muy extendidos.

A diferencia de los jarrones áticos, las inscripciones son escasas y las firmas de los pintores aún más. La mayoría de las vasijas sobrevivientes producidas en Corinto se han encontrado en Etruria, la Baja Italia y Sicilia. En el siglo VII y la primera mitad del siglo VI a. C., la pintura de vasijas corintias dominó el mercado mediterráneo de cerámica. Es difícil construir una secuencia estilística para la pintura de vasijas corintias. A diferencia de la pintura ática, por ejemplo, las proporciones de la base de cerámica no evolucionaron mucho. También suele ser difícil datar los jarrones corintios; con frecuencia uno tiene que confiar en fechas secundarias, como la fundación de colonias griegas en Italia.

Sobre la base de dicha información, se puede elaborar una cronología aproximada mediante comparaciones estilísticas, pero rara vez tiene la precisión de la datación de los vasos áticos. Con frecuencia se representan escenas mitológicas, especialmente Heracles y figuras relacionadas con la Guerra de Troya. Pero las imágenes de los vasos corintios no tienen una gama temática tan amplia como las obras posteriores de los pintores áticos. Los dioses rara vez se representan, Dioniso nunca. Pero el ciclo tebano fue más popular en Corinto que más tarde en Atenas. Principalmente las peleas, los jinetes y los banquetes eran las escenas más comunes de la vida cotidiana, apareciendo estas últimas por primera vez durante el período corintio temprano.

Las escenas deportivas son raras. Las escenas con bailarinas barrigonas son únicas y su significado es discutido hasta la actualidad. Estos son bebedores cuyo vientre y nalgas están acolchados con almohadas y pueden representar una forma temprana de comedia griega. El estilo de transición (640-625 a. C.) vinculó el estilo orientalizante (protocorintio) con el estilo de figuras negras. El antiguo estilo de frisos de animales del período protocorintio se había agotado, al igual que el interés de los pintores de vasijas por las escenas mitológicas. Durante este período dominaban las criaturas animales e híbridas. La forma índice de la época fue el aryballos esférico, que se producía en gran número y se decoraba con frisos de animales o escenas de la vida cotidiana.

La calidad de la imagen es inferior en comparación con el período orientalizante. Los artistas más ilustres de la época fueron el Pintor Toro Shambling, cuya obra más famosa es un aryballos con una escena de caza, el Pintor de Palermo 489, y su discípulo, el Pintor Colón. El estilo personal de este último se puede reconocer más fácilmente en sus imágenes de poderosos leones. Además del aryballos, el kotyle y el alabastron son las formas de jarrón más importantes. Los bordes de los kotyles estaban ornamentados y las demás decoraciones consistían en animales y rayas. Las dos superficies verticales de los jarrones suelen tener escenas mitológicas. Los alabastrones solían pintarse con figuras individuales.

El pintor de duelo fue el pintor corintio primitivo más importante (625-600 a. C.) que representó escenas de lucha en aryballos. A partir del período corintio medio (600-575 a. C.), los colores opacos se utilizaron cada vez con más frecuencia para enfatizar los detalles. Las figuras también se pintaron con una serie de puntos blancos. Los aryballos se hicieron más grandes y se les dio una base plana. El pintor Pholoe es bien conocido, siendo su obra más famosa un skyphos con una imagen de Heracles. El Pintor de Dodwell continuó pintando frisos de animales, aunque otros pintores ya habían abandonado esta tradición. Su período creativo se extendió hasta la época de Corinto tardío y su influencia no puede sobreestimarse en la pintura de vasijas de esa época.

También gozaron de una reputación excepcional el maestro del Grupo Gorgoneion y el Pintor de la Cabalgata, al que se le dio esta designación por su preferencia por representar jinetes en el interior de las copas; Estuvo activo alrededor del 580 a. C. Dos de sus obras maestras son una copa que muestra el suicidio de Ajax y una crátera de columna que muestra a una pareja de novios en un carro. Todas las cifras que se muestran en el recipiente están etiquetadas. El primer artista conocido por su nombre es el pintor de vasijas policromadas Timonidas (de), quien firmó un frasco y un pinax. El nombre de un segundo artista de Milonidas también aparece en un pinax.

La jarra de vino olpe de Corinto fue sustituida por una versión ática del oinochoe con un borde en forma de trébol. En la época del Corinto Medio, las representaciones de personas volvieron a ser más comunes. El Eurytios Krater, fechado alrededor del 600 a. C., se considera de una calidad particularmente alta; muestra un simposio en el friso principal con Heracles, Eurytios y otras figuras míticas. En la época de Corinto tardío (a veces denominado Corintio tardío I, 575–550 a. C.), los jarrones corintios tenían un revestimiento rojo para realzar el contraste entre las grandes áreas blancas y el color más bien pálido de la vasija de arcilla.

Esto puso a los artesanos corintios en competencia con los pintores de cerámica áticos, que mientras tanto habían asumido un papel de liderazgo en el comercio de la cerámica. Las formas de los jarrones del ático también se copiaron cada vez más. Oinochoes, cuya forma había permanecido básicamente sin cambios hasta ese momento, comenzó a parecerse a las formas áticas; los lécitos también comenzaron a producirse cada vez más. Se modificó la crátera de columna, invención corintia que por ello se llamó korinthios en el resto de Grecia. El acortamiento de las volutas por encima de las asas dio lugar a la crátera calcídica. El campo de la imagen principal estaba decorado con diversas representaciones de la vida cotidiana o escenas mitológicas, el campo secundario contenía un friso de animales. La parte posterior a menudo mostraba dos animales grandes.

Las copas ya se habían vuelto más profundas en la época de Corinto Medio y esta tendencia continuó. Se hicieron tan populares como los kotyles. Muchos de ellos tienen escenas mitológicas en el exterior y una mueca de gorgona en el interior. Este tipo de pintura también fue adoptado por los pintores áticos. Por su parte, los pintores corintios se hicieron cargo de los campos de imágenes enmarcadas de Atenas. Los frisos de animales se volvieron menos importantes. Durante este tiempo estuvo activo el tercer pintor corintio de nombre conocido, Cares. También hay que mencionar al Pintor Tideo, que hacia el 560 a. C. gustaba de pintar ánforas de cuello con fondo rojo.

Se siguieron colocando rosetas incisas en los jarrones; sólo les faltan unas pocas cráteres y copas. La obra de arte más destacada de este período es el Amphiaraos Krater, un cráter de columna creado alrededor del año 560 a. C. como la obra principal del Pintor de Amphiaraos. Muestra varios eventos de la vida del héroe Amphiaraos. Alrededor del 550 a. C., la producción de jarrones con figuras llegó a su fin. El siguiente estilo corintio tardío II se caracteriza por jarrones solo con adornos, generalmente pintados con una técnica de silueta. Le sucedió el estilo de figuras rojas, que sin embargo no alcanzó una calidad particularmente alta en Corinto.

Con más de 20.000 piezas existentes, los jarrones áticos de figuras negras comprenden la colección de jarrones más grande y, al mismo tiempo, más importante, solo superada por los jarrones áticos de figuras rojas. Los alfareros del ático se beneficiaron de la excelente arcilla rica en hierro que se encuentra en el Ática. Los jarrones áticos de figuras negras de alta calidad tienen un revestimiento uniforme, brillante y negro azabache y la base de arcilla de terracota de color intenso se ha alisado meticulosamente. La piel de la mujer siempre se indica con un color blanco opaco, que también se utiliza con frecuencia para detalles como caballos individuales, prendas de vestir o adornos. Los artistas áticos más destacados elevaron la pintura de vasijas a un arte gráfico, pero también se produjeron una gran cantidad de productos de calidad media y de gran consumo.

La importancia sobresaliente de la cerámica ática proviene de su repertorio casi interminable de escenas que cubren una amplia gama de temas. Estos proporcionan ricos testimonios, especialmente en lo que respecta a la mitología, pero también a la vida cotidiana. Por otro lado, prácticamente no hay imágenes que hagan referencia a hechos contemporáneos. Tales referencias solo son evidentes ocasionalmente en forma de anotaciones, por ejemplo, cuando las inscripciones kalos están pintadas en un jarrón. Los jarrones se producían para el mercado interno por un lado, y eran importantes para celebrations o en relación con actos rituales. Por otro lado, también fueron un importante producto de exportación vendido en toda el área mediterránea. Por esta razón, la mayoría de los vasos supervivientes proceden de necrópolis etruscas.

La técnica de las figuras negras se aplicó por primera vez a mediados del siglo VII a. C., durante el período de la pintura de vasijas protoáticas. Influenciados por la cerámica de Corinto, que ofrecía la más alta calidad en ese momento, los pintores de vasos áticos cambiaron a la nueva tecnología entre aproximadamente el 635 a. C. y finales de siglo. Al principio siguieron de cerca los métodos y temas de los modelos corintios. El pintor de Berlín A 34 al comienzo de este período es el primer pintor individual identificado. El primer artista con un estilo único fue el Pintor de Nessos. Con su ánfora Nessos creó la primera pieza destacada en el estilo ático de figuras negras.

Al mismo tiempo, fue uno de los primeros maestros del estilo de frisos de animales áticos. Uno de sus jarrones fue también el primer jarrón ático conocido exportado a Etruria. También fue responsable de las primeras representaciones de arpías y sirenas en el arte ático. A diferencia de los pintores corintios, utilizó líneas incisas dobles e incluso triples para representar mejor la anatomía animal. Una línea de hombro de doble puntuación se convirtió en una característica de los jarrones áticos. Las posibilidades inherentes a las grandes piezas de cerámica, como las ánforas del vientre, como portadoras de imágenes también se reconocieron en una fecha temprana. Otros pintores importantes de esta época pionera fueron el Pintor del Pireo, el Pintor de Belerofonte y el Pintor del León.

El estilo de figuras negras se estableció generalmente en Atenas alrededor del 600 a. C. Un desarrollo ateniense temprano fue el ánfora con cabeza de caballo, el nombre proviene de la representación de cabezas de caballo en una ventana de imagen. windows de imágenes se usaron con frecuencia en el período posterior y luego se adoptaron incluso en Corinto. El Pintor Cerameico y el Pintor Gorgona están asociados con las ánforas con cabeza de caballo. La influencia corintia no solo se mantuvo, sino que incluso se intensificó. El friso de animales se reconoció como generalmente obligatorio y de uso habitual. Esto tenía razones tanto económicas como estilísticas, porque Atenas competía con Corinto por los mercados. Los jarrones del ático se vendieron en el área del Mar Negro, Libia, Siria, la Baja Italia y España, así como en la patria griega.

Además de seguir los modelos corintios, los jarrones de Atenas también mostraron innovaciones locales. Así, a principios del siglo VI a. C. surgió un "tipo Deianaira" de lekythos, con una forma ovalada alargada. El pintor más importante de esta época temprana fue el pintor Gorgona (600–580 a. C.). Fue un artista muy productivo que rara vez hizo uso de temas mitológicos o figuras humanas, y cuando lo hizo, siempre las acompañó con animales o frisos de animales. Algunos de sus otros vasos tenían solo representaciones de animales, como fue el caso de muchos vasos corintios.

Además del Pintor Gorgona, deben mencionarse los pintores del Grupo Komast (585–570 a. C.). Este grupo decoró tipos de jarrones que eran nuevos en Atenas, a saber, lekanes, kotyles y kothons. Sin embargo, la innovación más importante fue la introducción de la copa komast, que junto con las "copas prekomast" de la Oxford Palmette Class se encuentra al comienzo del desarrollo de las copas Attic. Pintores importantes en este grupo fueron el Pintor KX mayor y el Pintor KY algo menos talentoso, quienes introdujeron la crátera de columna en Atenas. Estos recipientes fueron diseñados para su uso en banquetes y, por lo tanto, estaban decorados con escenas de komos relevantes, como escenas de komos de artistas de komast.

Otros pintores significativos de la primera generación fueron el Pintor Pantera, el Pintor Anagyrus, el Pintor de Dresden Lekanis y el Pintor Polos. El último representante significativo de la primera generación de pintores fue Sófilo (580-570 a. C.), que es el primer pintor de vasos áticos conocido por su nombre. En total, firmó cuatro jarrones sobrevivientes, tres como pintor y uno como alfarero, lo que revela que en esta fecha los alfareros también pintaban jarrones en el estilo de figuras negras. Una separación fundamental de ambos oficios parece haber ocurrido solo en el curso del desarrollo del estilo de figuras rojas, aunque no se puede descartar una especialización previa.

Sophilos hace un uso liberal de las anotaciones. Aparentemente se especializó en grandes jarrones, ya que se sabe que su trabajo son especialmente los dinosaurios y las ánforas. Con mucha más frecuencia que sus predecesores, Sófilo muestra escenas mitológicas como los juegos funerarios de Patroclo. Con él comienza la decadencia del friso de animales, y los ornamentos vegetales y otros también son de menor calidad, ya que se consideran menos importantes y, por tanto, reciben escasa atención por parte del pintor. Pero en otros aspectos, Sophilos demuestra que era un artista ambicioso. En dos dinosaurios se representa el matrimonio de Peleo y Tetis.

Estos jarrones se produjeron casi al mismo tiempo que el jarrón de François, que representa este tema a la perfección. Sin embargo, Sophilos prescinde de adornos en forma de frisos de animales en uno de sus dos dinosaurios, y no combina diferentes mitos en escenas distribuidas en varias superficies de jarrones. Es el primer jarrón griego grande que muestra un solo mito en varios segmentos interrelacionados. Una característica especial de los dinosaurios es la aplicación por parte del pintor de la pintura blanca opaca que designa a las mujeres directamente sobre la base de arcilla, y no como es habitual sobre el brillo negro.

Los detalles interiores y los contornos de la figura están pintados en un rojo opaco. Esta técnica en particular es rara, solo se encuentra en jarrones pintados en el taller de Sófilo y en paneles de madera pintados al estilo corintio en el siglo VI a. C. Sófilo también pintó uno de los raros cálices (una variedad de copa) y creó la primera serie sobreviviente de tabletas votivas. Él mismo o uno de sus sucesores también decoró el primer jarrón matrimonial (conocido como lebes gamikos) que se encontró.

A partir del segundo tercio del siglo VI a. C., los artistas áticos se interesaron por las escenas mitológicas y otras representaciones de figuras. Los frisos de animales se volvieron menos importantes. Solo unos pocos pintores se ocuparon de ellos, y generalmente fueron trasladados del centro de atención a áreas menos importantes de los jarrones. Este nuevo estilo está especialmente representado por el jarrón François, firmado tanto por el ceramista Ergotimos como por el pintor Kleitias (570-560 a. C.). Esta crátera se considera el jarrón griego pintado más famoso. Es la primera crátera de voluta conocida hecha de arcilla.

Los eventos mitológicos se representan en varios frisos, con frisos de animales que se muestran en ubicaciones secundarias. Varios detalles iconográficos y técnicos aparecen en este jarrón por primera vez. Muchas son únicas, como la representación de un mástil bajado de un velero; otros pasaron a formar parte del repertorio estándar, como las personas sentadas con una pierna detrás de la otra, en lugar de la tradicional posición paralela de las piernas. Ergotimos y Kleitias firmaron otros cuatro jarrones más pequeños, y se les atribuyen jarrones y fragmentos adicionales. Proporcionan evidencia de otras innovaciones de Kleitias, como la primera representación del nacimiento de Atenea o de la Danza en Creta.

Nearchos (565–555 a. C.) firmó como alfarero y pintor. Prefería las figuras grandes y fue el primero en crear imágenes que mostraban los arneses de un carro. Otra innovación fue colocar un diseño de lengüeta sobre un fondo blanco debajo del borde del jarrón. Otros pintores talentosos fueron el Pintor de Akropolis 606 y el Pintor de Ptoon, cuya pieza más conocida es Hearst Hydria. El Grupo Burgon también es significativo, siendo la fuente de la primera ánfora Panatenaica totalmente conservada.

La copa Siana evolucionó a partir de la copa komast alrededor del 575 a. C. Mientras que el Grupo Komast producía otras formas además de las copas, algunos artesanos se especializaron en la producción de copas después de la época del primer ejemplar importante de las copas de Siana, el Pintor C (575-555 a. C.). Las copas tienen un borde más alto que antes y una base en forma de trompeta sobre un tallo hueco relativamente corto. Por primera vez en la pintura de un jarrón ático, el interior de la copa estaba decorado con imágenes enmarcadas (tondo). Había dos tipos de decoración. En el estilo de "doble piso", el cuerpo de la copa y el borde tienen decoraciones separadas. En el estilo de "superposición", la imagen se extiende sobre el cuerpo y el labio.

A partir del segundo cuarto del siglo VI a. C. hubo más interés por decorar especialmente las copas con imágenes de deportistas. Otro pintor importante de la copa de Siana fue el pintor de Heidelberg. Él también pintó casi exclusivamente tazas de Siana. Su tema favorito era el héroe Heracles. El Pintor de Heidelberg es el primer pintor ático que lo muestra con el jabalí de Erimanto, con Nereo, con Busiris y en el jardín de las Hespérides. La Pintora Cassandra, que decoró tazas medianas con bases y labios altos, marca el final del desarrollo de la taza Siana.

Es principalmente significativo como el primer pintor conocido que pertenece a los llamados Pequeños Maestros, un gran grupo de pintores que produjeron la misma gama de vasijas, conocidas como tazas de Pequeños Maestros. Las llamadas copas Merrythought se produjeron al mismo tiempo que las copas Siana. Sus mangos tienen forma de tenedor de dos puntas y terminan en lo que parece un botón. Estas copas no tienen un borde delineado. También tienen un cuenco más profundo con un pie más alto y más estrecho.

El último pintor destacado del período arcaico preclásico fue Lydos (560-540 a. C.), quien firmó dos de sus piezas supervivientes con ho Lydos (el lidio). Él o sus antepasados ​​inmediatos probablemente procedían de Asia Menor, pero indudablemente se formó en Atenas. Ahora se le atribuyen más de 130 jarrones supervivientes. Uno de sus cuadros sobre una hidria es la primera representación ática conocida de la lucha entre Heracles y Gerión. Lydos fue el primero en mostrar a Heracles con la piel de un león, que luego se hizo común en el arte ático. También representó la batalla entre los dioses y los gigantes en un dinosaurio encontrado en la acrópolis de Atenas, y Heracles con Cycnus.

Lydos decoró otros tipos de recipientes además de hydriai y dinos, como platos, tazas (copas de Siena superpuestas), cráteres de columna y psíquicos, así como tabletas votivas. Sigue siendo difícil identificar los productos de Lydos como tales, ya que a menudo se diferencian sólo ligeramente de los de su entorno inmediato. El estilo es bastante homogéneo, pero las piezas varían considerablemente en calidad. Los dibujos no siempre están cuidadosamente elaborados.

Lydos probablemente era capataz en un taller muy productivo en el distrito alfarero de Atenas. Presumiblemente, fue el último pintor de jarrones áticos en colocar frisos de animales en jarrones grandes. Todavía en la tradición corintia, sus dibujos de figuras son un eslabón en la cadena de pintores de vasijas que se extiende desde Kleitias pasando por Lydos y los pintores de Amasis hasta Exekias. Junto con ellos participó en la evolución de este arte en Ática y tuvo una influencia duradera.

Una forma especial de los jarrones áticos de este período fue el ánfora del Tirreno (550-530 a. C.). Se trataba de ánforas de cuello ovalado con decoraciones atípicas del canon de diseño ático habitual de la época. Casi todos los alrededor de 200 jarrones supervivientes se encontraron en Etruria. El cuerpo del ánfora suele estar subdividido en varios frisos paralelos. El friso superior o de hombros suele mostrar una escena popular de la mitología. A veces hay temas menos comunes, como una escena única del sacrificio de Polyxena. Las primeras imágenes eróticas conocidas en jarrones áticos también se encuentran en esta ubicación de jarrones. Los pintores colocan con frecuencia anotaciones en ánforas del Tirreno que identifican a las personas representadas.

Los otros dos o tres frisos estaban decorados con animales; a veces, uno de ellos fue reemplazado por un friso de plantas. El cuello suele pintarse con una cruz de palmeta de loto o festones. Las ánforas son bastante coloridas y recuerdan los productos corintios. En este caso, obviamente se copió deliberadamente una forma corintia para producir un tipo de jarrón particular para el mercado etrusco, donde el estilo era popular. Es posible que esta forma no se fabricara en Atenas sino en algún otro lugar de Ática, o incluso fuera de Ática. Pintores importantes fueron el Pintor Castellani y el Pintor Goltyr.

El período entre 560 y el inicio de la pintura de cerámica de figuras rojas alrededor de 530/520 a. C. se considera el pináculo absoluto de la pintura de jarrones de figuras negras. En este período los mejores y más conocidos artistas explotaron todas las posibilidades que ofrece este estilo. El primer pintor importante de esta época fue el pintor Amasis (560–525 a. C.), llamado así por el famoso alfarero Amasis, con quien trabajó principalmente. Muchos investigadores los consideran como la misma persona. Comenzó su carrera como pintor casi al mismo tiempo que Lydos, pero estuvo activo durante un período de casi el doble.

Mientras que Lydos mostró más las habilidades de un hábil artesano, el Pintor de Amasis fue un artista consumado. Sus imágenes son inteligentes, encantadoras y sofisticadas y su desarrollo artístico personal se acerca a un reflejo de la evolución general de la pintura de jarrones áticos de figuras negras en ese momento. Su obra temprana muestra su afinidad con los pintores de copas de Siana. Los avances se pueden reconocer más fácilmente en la forma en que dibuja los pliegues de la ropa. Sus primeras figuras femeninas visten ropas sin pliegues. Más tarde pinta pliegues angulares y planos, y al final es capaz de transmitir la impresión de prendas flexibles y sueltas.

Los dibujos de prendas de vestir eran una de sus principales características; le gustaba representar ropa estampada y con flecos. Los grupos de figuras que muestra el Pintor de Amasis fueron cuidadosamente dibujados y simétricamente compuestos. Inicialmente eran bastante estáticos, las figuras posteriores transmiten una impresión de movimiento. Aunque el pintor de Amasis representó a menudo eventos mitológicos (es conocido por sus sátiros con cara de cerdo, por ejemplo), es más conocido por sus escenas de la vida cotidiana.

Fue el primer pintor en retratarlos de manera significativa. Su obra influyó decisivamente en la obra de los pintores de figuras rojas posteriores. Posiblemente anticipó algunas de sus innovaciones o fue influenciado por ellas hacia el final de su carrera pictórica: en muchos de sus jarrones, las mujeres solo se muestran delineadas, sin relleno negro, y ya no son identificables como mujeres mediante la aplicación de pintura opaca. blanco como el color de la piel.

El Grupo E (550–525 a. C.) era una colección grande e independiente de artesanos, y se considera que es el grupo anónimo más importante que produce cerámica ática de figuras negras. Rompió rigurosamente con la tradición estilística de Lydos tanto en la imagen como en la vasija. Las ánforas de cuello en forma de huevo se abandonaron por completo y las cráteras de columna se abandonaron casi por completo. En cambio, este grupo introdujo ánforas de vientre tipo A, que luego se convirtieron en una forma de índice. Las ánforas de cuello generalmente se producían solo en versiones personalizadas. Al grupo no le interesaban los formatos pequeños. Muchas escenas, especialmente las que se originaron en los mitos, se reprodujeron una y otra vez.

Así, varias ánforas de este grupo muestran a Heracles con Gerión o el León de Nemea, y cada vez más a Teseo y el Minotauro, así como el nacimiento de Atenea. El significado particular del grupo está, sin embargo, en la influencia que ejerció sobre Exekias. La mayoría de los artistas áticos de la época copiaron los estilos del Grupo E y Exekias. La obra de Lydos y el pintor Amasis, por el contrario, no fue imitada con tanta frecuencia. Beazley describe la importancia del grupo para Exekias de la siguiente manera: "El Grupo E es el terreno fértil del que brota el arte de Exekias, la tradición que retoma y supera en su camino de un excelente artesano a un verdadero artista".

Exequias (545-520 a. C.) es generalmente considerado como el maestro absoluto del estilo de figuras negras, que alcanza su cúspide con él. Su importancia no solo se debe a su magistral pintura de vasijas, sino también a su cerámica innovadora y de alta calidad. Firmó 12 de sus vasijas sobrevivientes como alfarero, dos como pintor y alfarero. Exekias probablemente tuvo un papel importante en el desarrollo de las copas Little-master y el ánfora de vientre tipo A mencionadas anteriormente, y posiblemente inventó la crátera del cáliz, al menos la pieza más antigua que existe es de su taller. A diferencia de muchos otros artesanos comparables, como pintor concedió gran importancia a la cuidadosa elaboración de los ornamentos.

Los detalles de sus imágenes —crines de caballos, armas, ropa— también están extraordinariamente bien ejecutados. Sus escenas suelen ser monumentales y las figuras emanan una dignidad hasta ahora desconocida en la pintura. En muchos casos rompió con las convenciones áticas. Para su vasija más famosa, la copa Dionysus, fue el primero en utilizar un revestimiento interior de color rojo coral en lugar del color rojo habitual. Esta innovación, además de la colocación de dos pares de ojos en el exterior, conecta a Exekias con las clásicas copas oculares. Probablemente aún más innovador fue el uso de todo el interior de la copa para su imagen de Dioniso, reclinado en un barco del que brotan vides.

En este momento, de hecho, era costumbre decorar la superficie interior simplemente con la cara de una gorgona. La copa es probablemente uno de los experimentos realizados en el distrito de la cerámica para abrir nuevos caminos antes de que se introdujera el estilo de figuras rojas. Fue el primero en pintar un barco navegando por el borde de un dinosaurio. Rara vez se adhirió a los patrones tradicionales de representación de temas mitológicos habituales. Su descripción del suicidio de Ajax también es significativa. Exekias no muestra el acto en sí, que estaba en la tradición, sino los preparativos de Ajax.

Casi tan famosa como la copa de Dioniso es un ánfora con su visualización de Ajax y Aquiles participando en un juego de mesa. No solo se detalla la representación, Exekias incluso transmite el resultado del juego. Casi al estilo de un globo de diálogo, hace que ambos jugadores anuncien los números que lanzaron con sus dados: Ajax un tres y Aquiles un cuatro. Esta es la representación más antigua conocida de esta escena, de la que no se menciona en la literatura clásica. No menos de otros 180 jarrones sobrevivientes, que datan de la versión de Exekias hasta alrededor del 480 a. C., muestran esta escena.

John Boardman enfatiza el estatus excepcional de Exekias, que lo distingue de los pintores de vasos tradicionales: "Las personas representadas por el artista anterior son, en el mejor de los casos, muñecas elegantes. Amasis (el pintor de Amasis) pudo visualizar a las personas como personas. Pero Exekias podía imaginarlos como dioses y así darnos un anticipo del arte clásico". Reconociendo que los pintores de jarrones en la antigua Grecia eran considerados artesanos más que artistas, los historiadores del arte de hoy en día consideran a Exekias como un artista consumado cuyo trabajo puede compararse con pinturas "principales" (murales y paneles) de ese período.

Sus contemporáneos aparentemente también reconocieron esto. La Colección de Berlín de Antigüedades Clásicas en el Altes Museum contiene los restos de una serie de sus tablillas votivas. La serie completa probablemente tenía 16 paneles individuales. Hacer un pedido de este tipo con un alfarero y un pintor de vasijas probablemente sea único en la antigüedad y es una prueba de la gran reputación de este artista. Las tablillas muestran el duelo por la muerte de una mujer ateniense, así como su tumba y su transporte a una tumba. Exekias transmite tanto el dolor como la dignidad de las figuras.

Una característica especial, por ejemplo, es que el líder de la procesión fúnebre gira la cara para mirar directamente al espectador, por así decirlo. La representación de los caballos también es única; tienen temperamentos individuales y no se reducen a su función como animales nobles, como es habitual en los vasos. Hubo una mayor especialización entre los productores de vasijas y copas durante el Período Clásico maduro. Las copas komast y Siana de gran volumen evolucionaron a través de las copas Gordion en elegantes variantes llamadas copas Little-master debido a su delicada pintura. Los alfareros y pintores de esta forma se denominan, en consecuencia, Pequeños Maestros.

Pintaron principalmente copas de banda y copas de labios. Las copas labiales obtuvieron su nombre de su labio relativamente pronunciado y delineado. El exterior de la copa retuvo gran parte del fondo de arcilla y, por lo general, solo tenía unas pocas imágenes pequeñas, a veces solo inscripciones, o en algunos casos, la copa entera estaba mínimamente decorada. También en el área de los mangos rara vez hay más que palmetas o inscripciones cerca de los puntos de fijación. Estas inscripciones pueden ser la firma del alfarero, el brindis de un bebedor o simplemente una secuencia de letras sin sentido. Pero los interiores de las copas labiales a menudo también están decorados con imágenes.

Las copas de la banda tienen una transición más suave entre el cuerpo y el borde. La decoración tiene la forma de una banda que rodea el exterior de la copa y con frecuencia puede ser un friso muy elaborado. En el caso de esta forma, el borde está recubierto con un engobe negro brillante. El interior conserva el color de la arcilla, excepto por un punto negro pintado en el centro. Las variaciones incluyen copas Droop y copas Kassel. Las copas caídas tienen labios cóncavos negros y un pie alto. Al igual que con las copas de banda clásicas, el borde se deja negro, pero el área debajo está decorada con adornos como hojas, capullos, palmetas, puntos, nimbos o animales en el exterior de la copa.

Las copas Kassel son de forma pequeña, más achaparradas que otras copas Little Masters, y todo el exterior está decorado. Como en el caso de las copas Droop, se pintan principalmente los adornos. Pequeños maestros famosos son los alfareros Phrynos, Sokles, Tleson y Ergoteles, siendo los dos últimos hijos del alfarero Nearchos. Hermogenes inventó una variedad Little Master de skyphos ahora conocida como Hermogenes skyphos. El Pintor de Phrynos, el Pintor de Taleides, el Pintor de Xenokles y el Grupo de Rhodes 12264 también deben mencionarse aquí. Hasta el final del siglo, la calidad de la producción de jarrones de figuras negras básicamente se pudo mantener.

Pero después del desarrollo del estilo de figuras rojas alrededor del año 530 a. C., presumiblemente por el pintor Andokides, más y más pintores se pasaron al estilo de figuras rojas, que brindó muchas más posibilidades para agregar detalles dentro de los contornos de las figuras. El nuevo estilo también permitió muchos más experimentos prometedores con escorzos, vistas en perspectiva y nuevos diseños para arreglos. El contenido de las escenas, como siempre, reflejaba las tendencias en el gusto y el espíritu de la época, pero el estilo de figuras rojas creó mejores condiciones previas para presentar escenas más elaboradas al explotar las nuevas posibilidades de disposición.

Pero mientras tanto, algunos artesanos innovadores aún podrían dar nuevos impulsos a la producción de jarrones de figuras negras. El alfarero más imaginativo de la época, también un talentoso hombre de negocios, fue Nikosthenes. Más de 120 jarrones llevan su firma, lo que indica que fueron hechos por él o en su taller. Parece haberse especializado particularmente en la producción de jarrones para exportar a Etruria. En su taller se produjeron las habituales ánforas de cuello, Little Masters, Droop y copas para los ojos, pero también un tipo de ánfora que recuerda a la cerámica bucchero etrusca, llamada ánfora Nikosthenic en honor a su creador.

Estas piezas se encontraron particularmente en Caere, los otros tipos de vasos generalmente en Cerveteri y Vulci. Los muchos inventos en su taller no se limitaron a las formas. En el taller de Nikosthenes se desarrolló lo que se conoce como la técnica de los Seis, en la que se pintaban figuras en marrón rojizo o blanco sobre un engobe negro brillante. No está claro si Nikosthenes también pintó jarrones, en cuyo caso generalmente se presume que es idéntico al pintor N. El pintor BMN y el pintor Nikosthenes de figuras rojas también llevan el nombre de Nikosthenes. En su taller empleó a muchos pintores de vasos famosos, incluidos los ancianos Lydos, Oltos y Epiktetos. La tradición del taller fue continuada por el sucesor de Nikosthenes, Pamphaios.

Dos pintores de vasos de figuras negras se consideran manieristas (540-520 a. C.). El pintor Elbows Out decoró principalmente tazas de Little Masters. Llaman la atención los codos extendidos de sus figuras, característica responsable de su nombre pragmático. Rara vez representó escenas mitológicas; Las escenas eróticas son mucho más comunes. También decoró una rara forma de jarrón conocida como lydion. El más importante de los dos pintores fue The Affecter, cuyo nombre proviene de la impresión exageradamente artificial de sus figuras.

Estas figuras de cabeza pequeña no parecen actuar tanto como posar. Su obra temprana muestra escenas de la vida cotidiana; más tarde recurrió a escenas decorativas en las que se reconocen figuras y atributos, pero difícilmente acciones. Si sus figuras están vestidas, parece como si estuvieran acolchadas; si están desnudos son muy angulosos. El Afector era a la vez alfarero y pintor; han sobrevivido más de 130 de sus jarrones. Al pintor de Antimenes (530-500 a. C.) le gustaba decorar la hidria con frisos de animales en la predela y, por lo demás, especialmente en las ánforas del cuello.

Dos hidrias que se le atribuyen están decoradas en la región del cuello con una técnica de fondo blanco. Fue el primero en pintar ánforas con una máscara como el rostro de Dionisio. El más famoso de sus más de 200 jarrones sobrevivientes muestra una cosecha de aceitunas en la parte posterior. Sus dibujos rara vez son realmente precisos, pero tampoco excesivamente descuidados. Estilísticamente, el pintor Psiax está muy relacionado con el pintor de Antimenes, aunque el primero también utilizó la técnica de las figuras rojas. Como maestro de los pintores Euphronius y Phintias, Psiax tuvo una gran influencia en el desarrollo temprano del estilo de figuras rojas. Con frecuencia muestra escenas de caballos y carros y arqueros.

El último grupo importante de pintores fue el Grupo Leagros (520-500 a. C.), llamado así por la inscripción kalos que usaban con frecuencia, Leagros. Las ánforas y las hidrias, estas últimas a menudo con palmetas en la predela, son las vasijas pintadas con mayor frecuencia. El campo de la imagen generalmente se llena por completo, pero la calidad de las imágenes aún se mantiene muy alta. Muchos de los más de 200 jarrones de este grupo estaban decorados con escenas de la Guerra de Troya y la vida de Heracles Pintores como el ingenioso Pintor Acheloos, el Pintor convencional Chiusi y el Pintor Daybreak con su fiel detalle pertenecen al Grupo Leagros.

Otros pintores de jarrones conocidos de la época son el Pintor del doliente del Vaticano, el Pintor Princeton , el Pintor de Munich 1410 y el Pintor del columpio (540-520 a. C.), a quienes se atribuyen muchos jarrones. No se considera que sea un muy buen artista, pero sus figuras son involuntariamente divertidas debido a las figuras con cabezas grandes, narices extrañas y puños frecuentemente cerrados. La obra del Rycroft Painter guarda cierta semejanza con la pintura de jarrones de figuras rojas y las nuevas formas de expresión. Le gustaba representar escenas dionisíacas, caballos y carros, y las aventuras de Heracles. A menudo utiliza dibujos de contorno.

Las aproximadamente 50 vasijas que se le atribuyen, por lo general de gran tamaño, están pintadas con elegancia. La clase de CM 218 decoró principalmente variaciones de las ánforas de Nikosthenic. La Clase Hypobibazon trabajó con un nuevo tipo de ánfora de vientre con asas y pies redondeados, cuya decoración se caracteriza por un meandro clave sobre los campos de imágenes. Three Line Group decoró una variante más pequeña de ánfora de cuello. El Grupo Perizoma adoptó alrededor del 520 a. C. la forma recién introducida de stamnos. Hacia finales de siglo, todavía se producían producciones de gran calidad por parte del Pintor Euphiletos, el Pintor madrileño y el imaginativo Pintor Príamo.

En particular, los pintores de tazas como Oltos, Epiktetos, Phidippos y Skythes pintaron jarrones en estilos de figuras rojas y negras (cerámica bilingüe), principalmente copas para los ojos. El interior generalmente tenía el estilo de figuras negras, el exterior el estilo de figuras rojas. Hay varios estuches de ánforas cuyo anverso y reverso están decorados en los dos estilos diferentes.

Las más famosas son las obras del pintor Andokides, cuyas escenas de figuras negras se atribuyen al pintor Lysipides. Los estudiosos están divididos sobre la cuestión de si estos pintores son la misma persona. Solo unos pocos pintores, por ejemplo, el pintor Nikoxenos y el pintor Athena, produjeron grandes cantidades de jarrones utilizando ambas técnicas. Aunque la cerámica bilingüe fue bastante popular por un corto tiempo, el estilo ya pasó de moda hacia el final del siglo.

Desde principios del siglo V a. C. hasta el 480 a. C. como máximo, todos los pintores de renombre utilizaban el estilo de figuras rojas. Pero los jarrones de figuras negras continuaron produciéndose durante unos 50 años más, y su calidad disminuyó progresivamente. Los últimos pintores que produjeron imágenes de calidad aceptable en grandes jarrones fueron el pintor Eucharides y el pintor Kleophrades. Solo los talleres que producían formas más pequeñas como olpes, oenoches, skyphos, ánforas de cuello pequeño y lekythos particulares utilizaron cada vez más el estilo antiguo.

El Pintor Phanyllis utilizó la técnica Six, entre otros métodos, y tanto el Pintor de Edimburgo como el Pintor Gela decoraron los primeros lécitos cilíndricos. El primero produjo principalmente escenas casuales, claras y simples utilizando un estilo de figuras negras sobre un fondo blanco. El fondo blanco de los jarrones era bastante grueso y ya no se pintaba directamente sobre la base de arcilla, una técnica que se convirtió en el estándar para todos los jarrones con fondo blanco. La Pintora Safo se especializó en lécitos funerarios.

El taller del Pintor Haimon fue especialmente productivo; han sobrevivido más de 600 de sus jarrones. El Pintor de Atenea (que quizás sea idéntico al Pintor de Bowdoin de figuras rojas) y el Pintor de Perseo continuaron decorando grandes lécitos estándar. Las escenas de Athena Painter todavía irradian algo de la dignidad inherente al trabajo del Grupo Leagros. El Pintor Marathon es conocido principalmente por los lécitos funerarios encontrados en el túmulo de los atenienses que murieron en la Batalla de Marathon en el 490 a.

El último pintor importante de lekythos, el pintor de Beldam, trabajó desde alrededor del 470 a. C. hasta el 450 a. C. Excepto por las ánforas del premio Panatenaico, el estilo de figuras negras llegó a su fin en Ática en este momento. Entre los jarrones áticos de figuras negras, las ánforas del premio Panatenaico juegan un papel especial. A partir del 566 a. C., cuando se introdujeron o reorganizaron las celebrations panateneas, eran el premio para los ganadores de competiciones deportivas y se llenaban de aceite de oliva, uno de los principales productos de exportación de la ciudad. En el frente solían llevar la imagen de la diosa Atenea de pie entre dos pilares sobre los que se posaban gallos; en la parte de atrás había una escena sports .

La forma era siempre la misma y solo se modificó ligeramente durante el largo período de su producción. El ánfora del vientre era, como su nombre indica, originalmente especialmente bulbosa, con un cuello corto y un pie largo y estrecho. Alrededor del 530 a. C., los cuellos se vuelven más cortos y el cuerpo algo más estrecho. Alrededor del 400 a. C., los hombros del jarrón se redujeron considerablemente en ancho y la curva del cuerpo del jarrón parecía constreñida. Después del 366 a. C., los jarrones volvieron a ser más elegantes y se hicieron aún más estrechos.

Estos jarrones se produjeron principalmente en los principales talleres del distrito de Kerameikos. Parece haber sido un honor o particularmente lucrativo recibir una comisión para producir los jarrones. Esto también explica la existencia de muchas ánforas premiadas de excelentes pintores de vasos. Además de pintores superiores de figuras negras como Euphiletos Painter, Exekias, Hypereides y el Grupo Leagros, muchos maestros artesanos de figuras rojas son conocidos como creadores de ánforas premiadas. Estos incluyen el Pintor de Eucharides, el Pintor de Kleophrades, el Pintor de Berlín, el Pintor de Achilleus y Sophilos, quien fue el único que firmó uno de los jarrones supervivientes.

El primer jarrón conocido fue producido por Burgon Group y se conoce como jarrón Burgon. Dado que el nombre del funcionario gobernante (Arconte) aparece ocasionalmente en el jarrón después del siglo IV a. C., algunos de los jarrones pueden fecharse con precisión. Dado que las Panathenaia eran festivales religiosos, el estilo y el tipo de decoración no cambiaron ni durante el período de figuras rojas ni después de que los jarrones con figuras ya no se comercializaran realmente en Atenas. Las ánforas premiadas se produjeron hasta el siglo II a. C. y han sobrevivido alrededor de 1000 de ellas. Dado que para algunas fechas se conoce el número de ánforas que se otorgan a un ganador, es posible deducir que ha sobrevivido alrededor del uno por ciento de la producción total de vasos atenienses. Otras proyecciones llevan a la conclusión de que en total se produjeron en Atenas unos siete millones de jarrones con figuras pintadas. Además de las ánforas de premio, también se fabricaron formas imitativas conocidas como ánforas de premio Pseudo-Panatenaicas.

A partir del siglo VII a. C., en Esparta se producía cerámica pintada para el consumo local y la exportación. Las primeras piezas de calidad se produjeron alrededor del 580 a. C. El cenit de la cerámica de figuras negras se alcanzó entre el 575 y el 525 a. C. Además de Esparta, los principales sitios de descubrimiento son las islas de Rodas y Samos, así como Tarento, las necrópolis etruscas y Cirene, que en un principio se consideró como la fuente original de la cerámica. La calidad de los vasos es muy alta. La arcilla se mezcló bien y se le dio una capa de color crema.

Se pintaron ánforas, hydriai, cráteres de columna (llamados krater lakonikos en la antigüedad), cráteres de voluta, cráteres calcídicos, lebes, aryballoi y la copa espartana, la lakaina. Pero la forma índice y el hallazgo más frecuente es la copa. En Laconia, el cuenco hondo se solía colocar sobre un pie alto; las copas en los pies bajos son raras. El exterior suele estar decorado con adornos, generalmente festones de granadas, y la escena interior es bastante grande y contiene figuras. En Laconia antes que en el resto de Grecia, el tondo se convirtió en el marco principal de las escenas de copas.

La imagen principal también se dividió en dos segmentos en una fecha temprana, una escena principal y otra inferior más pequeña. Con frecuencia, la vasija solo estaba recubierta con un engobe brillante o decorada con solo algunos adornos. Las inscripciones son poco comunes, pero pueden aparecer como anotaciones de nombres. Las firmas son desconocidas tanto para los alfareros como para los pintores. Es probable que los artesanos laconios fueran pintores de cerámica perioeci. Los rasgos característicos de la cerámica a menudo coinciden con la moda de los pintores conocidos. También es posible que fueran alfareros inmigrantes del este de Grecia, lo que explicaría la fuerte influencia del este de Grecia, especialmente en el pintor de Boreads.

Mientras tanto, se pueden distinguir al menos ocho pintores de vasos. Cinco pintores, el pintor de Arkesilas (565–555), el pintor de Boreads (575–565), el pintor de caza, el pintor de Naucratis (575–550) y el pintor de jinetes (550–530) se consideran los representantes más importantes. del estilo, mientras que otros pintores son considerados artesanos de menor habilidad. Las imágenes suelen ser angulosas y rígidas y contienen frisos de animales, escenas de la vida cotidiana, especialmente simposios, y muchos temas mitológicos.

De estos últimos, Poseidón y Zeus se representan con especial frecuencia, pero también Heracles y sus doce trabajos, así como los ciclos de leyendas tebanas y troyanas. Especialmente en los primeros jarrones, se coloca una mueca de gorgona en una copa tondo. Una representación de la ninfa Cirene y un tondo con un jinete con un zarcillo enrollado que crece de su cabeza (jarrón con el nombre del Pintor Jinete) son excepcionales. También es importante una copa con una imagen de Arcesilao II. La copa de Arcesilas suministró el pragmático nombre del Pintor de Arcesilas.

Es una de las raras representaciones en cerámica griega de eventos o personas actuales. Los temas sugieren influencia ática. Un púrpura rojizo era el color opaco principal. En la actualidad se conocen más de 360 ​​vasos laconianos, atribuyéndose al pintor Naucratis casi un tercio de ellos, 116 piezas. El declive alrededor del 550 a. C. de la pintura corintia de jarrones con figuras negras, que tuvo una influencia importante en la pintura laconiana, condujo a una reducción masiva en la producción laconiana de jarrones con figuras negras, que llegó a su fin alrededor del 500 a. distribuidos, desde Marsella hasta la Grecia jónica. En Samos, la cerámica laconiana es más común que la cerámica corintia debido a la estrecha alianza política con Esparta.

Los jarrones de figuras negras se produjeron en Beocia entre los siglos VI y IV a. C. Todavía a principios del siglo VI a. C. muchos pintores beocios utilizaban la técnica del contorno orientalizante. Posteriormente se orientaron de cerca en la producción ática. Las distinciones y atribuciones a una de las dos regiones a veces son difíciles y los vasos también pueden confundirse con la cerámica corintia. Los jarrones áticos y corintios de baja calidad a menudo se declaran obras beocias. Con frecuencia, los buenos jarrones beocios se consideran áticos y los vasos áticos malos se consideran falsamente beocios. Probablemente hubo un intercambio de artesanos con Attica.

En al menos un caso, es seguro que un alfarero ático emigró a Beocia (el pintor de caballos y pájaros, y posiblemente también el pintor de Tokra, y entre los alfareros ciertamente Teisias el ateniense). Los temas más importantes son frisos de animales, simposios y escenas de komos. Las escenas mitológicas son raras y, cuando están presentes, suelen mostrar a Heracles o Teseo. Desde finales del siglo VI hasta el siglo V predominó un estilo de silueta.

Se pintaron especialmente kantharos, lekanis, tazas, platos y cántaros. Como fue el caso en Atenas, hay inscripciones kalos. A los alfareros beocios les gustaba especialmente producir jarrones moldeados, así como kantharos con adiciones esculpidas y trípodes píxidos. Las formas de lekanis, copas y ánforas de cuello también fueron tomadas de Atenas. El estilo de pintura es a menudo humorístico y hay una preferencia por las escenas de komos y los sátiros.

Entre 425 y 350 a. C., los jarrones kabeíricos fueron el principal estilo de figuras negras en Beocia. En la mayoría de los casos se trataba de una forma híbrida entre un kantharos y un skyphos con un cuenco hondo y asas anulares verticales, pero también había lebes, copas y píxides. Llevan el nombre del lugar principal donde fueron encontrados, el Santuario de los Kabeiroi cerca de Tebas. Las escenas, generalmente pintadas en un solo lado del vaso, representan el culto local. Los jarrones caricaturizan eventos mitológicos en una forma humorística y exagerada. A veces se muestran escenas de komos, que presumiblemente se relacionan directamente con el culto.

La pintura de vasijas de figuras negras en Eubea también fue influenciada por Corinto y especialmente por Ática. No siempre es fácil distinguir estas obras de los jarrones áticos. Los eruditos suponen que la mayor parte de la cerámica se produjo en Eretria. Principalmente se pintaron ánforas, lécitos, hidrias y platos. Las ánforas de gran formato solían estar decoradas con escenas mitológicas, como las aventuras de Heracles o el Juicio de París. Las ánforas grandes, derivadas de las formas del siglo VII, tienen labios afilados y, por lo general, escenas relacionadas con bodas. Aparentemente son jarrones funerarios producidos para niños que murieron antes de poder casarse.

El uso restringido de la incisión y el uso regular de blanco opaco para los adornos florales eran características típicas de la cerámica de figuras negras de Eretria. Además de escenas que reflejaban modelos áticos, también había escenas más salvajes como la violación de un ciervo por un sátiro o Heracles con centauros y demonios. Los jarrones de la clase Dolphin se consideraban anteriormente áticos, pero ahora se consideran eubeos. Sin embargo, su arcilla no coincide con ninguna fuente conocida de Eretria. Quizás las piezas fueron producidas en Calcis.

Se discute el origen de algunos estilos regionales de figuras negras. Por ejemplo, la pintura de cerámica calcídica se asoció una vez con Eubea; mientras tanto, se considera que la producción en Italia es más probable. En casi ninguna otra región de Grecia las fronteras entre los estilos orientalizante y de figuras negras son tan inciertas como en el caso de los jarrones del este de Grecia. Hasta aproximadamente el 600 a. C., solo se emplearon dibujos de contorno y espacios vacíos. Luego, durante la fase tardía del estilo orientalizante, comenzaron a aparecer dibujos incisos, la nueva técnica proveniente del norte de Jonia.

El estilo de friso de animales que había predominado anteriormente era ciertamente decorativo, pero ofrecía pocas oportunidades para un mayor desarrollo técnico y artístico. Surgieron estilos regionales, especialmente en Jonia. Hacia el final del estilo Wild Goat, los artistas del norte de Jónico imitaron, bastante mal, los modelos corintios. Pero ya en el siglo VII se producían en Jonia jarrones de alta calidad. Desde aproximadamente el año 600 a. C., el estilo de figuras negras se usó total o parcialmente para decorar jarrones.

Además de los estilos regionales que se desarrollaron en Klazomenai, Ephesus, Milet, Chios y Samos, hubo estilos especialmente en el norte de Ionia que no pueden localizarse con precisión. Los frascos de aceite que se adhirieron al modelo lidio (lydions) eran comunes, pero la mayoría de ellos estaban decorados solo con rayas. También hay escenas originales, por ejemplo, un escita con un camello bactriano, o un sátiro y un carnero. Para algunos estilos, la atribución es controvertida. Por lo tanto, el Grupo Northampton muestra una fuerte influencia jónica, pero la producción probablemente se realizó en Italia, quizás por inmigrantes de Jonia.

En Klazomenai se pintaron principalmente ánforas e hidrias a mediados del siglo VI a. C. (circa 550 a 350 a. C.), así como cuencos profundos con figuras planas de aspecto angular. Los vasos no son muy elegantes en la mano de obra. Con frecuencia se representaban mujeres y animales bailando. Los principales talleres fueron los del Tübingen Painter, el Petrie Painter y el Urla Group. La mayoría de los jarrones se encontraron en Naukratis y en Tell Defenneh, que fue abandonado en el 525 a. C. Su origen fue inicialmente incierto, pero Robert Zahn identificó la fuente comparándola con imágenes en sarcófagos klazomenianos.

La cerámica a menudo estaba decorada con máscaras de mujeres esculpidas. Las escenas mitológicas eran raras; los adornos de escamas de pescado, las filas de puntos blancos y las bailarinas de aspecto tieso eran populares. La representación de un heraldo de pie frente a un rey y una reina es única. En general, los hombres se caracterizaban por grandes barbas en forma de pala. Comenzando ya en el 600 a. C. y continuando hasta alrededor del 520 a. C., se produjeron copas de roseta, sucesoras de las copas de pájaros del este de Grecia, probablemente en Klazomenai. La cerámica de Samia apareció por primera vez alrededor del 560/550 a. C. con formas adoptadas en Ática.

Estas son las copas Little Masters y kantharos con formas faciales. La pintura es precisa y decorativa. Samos, junto con Milet y Rhodes, fue uno de los principales centros de producción de jarrones en estilo Wild Goat. La pintura de jarrones de Rodas se conoce principalmente a partir de placas de Rodas. Estos fueron producidos utilizando una técnica policromada con muchos de los detalles grabados como en la pintura de figuras negras. Desde aproximadamente el 560 al 530 a. C., las sítulas fueron comunes, inspiradas en modelos egipcios. Estos muestran tanto temas griegos, como Tifón, como temas del antiguo Egipto, como jeroglíficos egipcios y disciplinas deportivas egipcias.

"Caeretan hydria" es el nombre que se usa para un estilo especialmente colorido de pintura de jarrones de figuras negras. El origen de estos jarrones se disputa en la literatura. Según una evaluación de la pintura, durante mucho tiempo se consideró que los jarrones eran etruscos o corintios, pero en los últimos años predomina la opinión de que los productores fueron dos pintores de cerámica que emigraron del este de Grecia a Caere (actual Cerveteri) en Etruria. Las inscripciones en griego jónico apoyan la teoría de la emigración. El taller existió sólo durante una generación.

Hoy se conocen alrededor de 40 jarrones producidos por los dos maestros artesanos en este estilo. Todos son hydriai excepto un alabastron. Ninguno fue encontrado fuera de Etruria; la mayoría procedían de Caere, que es la razón de su nombre. Los jarrones datan aproximadamente de 530 a 510/500 a. C. A la hidria de Caeretan le siguen estilísticamente ánforas de cuello decoradas con rayas. Estos hydriai técnicamente bastante inferiores miden entre 40 y 45 cm. alto. Los cuerpos de estos vasos tienen cuellos altos y muy prominentes, hombros anchos y pies anulares bajos en forma de cálices invertidos.

Muchos de los hydriai están deformados o muestran un disparo defectuoso. Las imágenes pintadas se distribuyen en cuatro zonas: una zona de hombros, una zona de vientre con figuras y otra con ornamentos, y una parte inferior. Todos menos la zona del vientre con figuras están decoradas con adornos. There is only one caso de ambos frisos del vientre con figuras. Sus múltiples colores los distinguen de todos los demás estilos de figuras negras. El estilo recuerda la pintura de vasijas jónicas y las tablillas de madera pintadas de varios colores encontradas en Egipto. Los hombres se muestran con la piel roja, negra o blanca.

Las mujeres casi siempre se representan con un color blanco opaco. Los contornos y los detalles están incisos, como es típico en el estilo de figuras negras. Las superficies de engobe negro brillante a menudo se cubren con un engobe de color adicional, de modo que el engobe negro que se hace visible donde hay ranuras proporciona detalles internos a las diversas formas. En el anverso las imágenes siempre están llenas de acción, en el reverso son comunes los diseños heráldicos. Los adornos son un componente importante de las hydrias; no son subsidiarios de otros motivos. Se usaron plantillas para pintar los adornos; no están incisos.

El Pintor Busiris y el Pintor Águila son nombrados como pintores. Este último es considerado el principal representante de este estilo. Estaban particularmente interesados ​​en temas mitológicos que generalmente revelaban una influencia oriental. En el jarrón con el nombre del pintor Busiris, Heracles pisotea al mítico faraón egipcio Busiris. Heracles también se representa con frecuencia en otros jarrones, y también existen escenas de la vida cotidiana. También hay escenas poco comunes, como Cetus acompañado de una foca blanca.

Los jarrones pónticos también están estrechamente relacionados estilísticamente con la pintura de cerámica jónica. También en este caso se supone que fueron elaborados en talleres etruscos por artesanos emigrados de Jonia. Los jarrones obtuvieron su nombre engañoso de la representación en un jarrón de arqueros que se cree que son escitas, que vivían en el Mar Negro (Ponto). La mayoría de los jarrones se encontraron en tumbas en Vulci, un número significativo también en Cerveteri. La forma índice era un ánfora de cuello con una forma particularmente esbelta, muy parecida a las ánforas del Tirreno.

Otras formas eran enocos con asas en espiral, dinos, kyathos, platos, vasos de precipitados con bases altas y, con menos frecuencia, kantharos y otras formas. El adorno de los jarrones pónticos es siempre similar. En general hay una decoración ornamental en el cuello, luego figuras en el hombro, seguidas de otra banda de adornos, un friso de animales y finalmente un anillo de rayos. Pie, cuello y asas son de color negro. La importancia de los adornos es notable, aunque a menudo se forman con bastante descuido; algunos jarrones están decorados solo con adornos.

La arcilla de estos vasos es de color rojo amarillento; el engobe que cubre los jarrones es negro o marrón rojizo, de gran calidad y con un brillo metálico. Los colores opacos rojo y blanco se utilizan generosamente para figuras y ornamentos. Los animales suelen estar decorados con una franja blanca en el vientre. Los estudiosos han identificado seis talleres hasta la fecha. Se considera que el más antiguo y el mejor es el del Pintor de París. Muestra figuras mitológicas, incluido un Heracles imberbe, como era costumbre en el este de Grecia.

Ocasionalmente hay escenas que no forman parte de la mitología griega, como Heracles luchando contra Juno Sospita ("la Salvadora") del Pintor de París, o un demonio lobo del Pintor de Tityos. También hay escenas de la vida cotidiana, escenas de komos y jinetes. Los jarrones datan de una época entre el 550 y el 500 a. C., y se conocen alrededor de 200. Los jarrones etruscos producidos localmente probablemente datan del siglo VII a. C. Al principio, se asemejan a modelos de figuras negras de Corinto y el este de Grecia. Se supone que en la primera fase los productores eran principalmente inmigrantes griegos.

El primer estilo importante fue la pintura de cerámica póntica. Después, en el período comprendido entre el 530 y el 500 aC, le siguió el Pintor Micali y su taller. En este momento, los artistas etruscos tendieron a seguir los modelos áticos y produjeron principalmente ánforas, hydriai y jarras. Por lo general, tenían escenas de komos y simposios y frisos de animales. Las escenas mitológicas son menos comunes, pero se producen con mucho cuidado. El estilo de figuras negras terminó alrededor del 480 a. C. Hacia el final se desarrolló un estilo manierista y, a veces, una técnica de silueta bastante descuidada.

La pintura de vasijas calcídicas recibió su nombre de las inscripciones mitológicas que a veces aparecían en escritura calcídica. Por esta razón, primero se sospechó que el origen de la cerámica era Eubea. Actualmente se supone que la cerámica se produjo en Rhegion, quizás también en Caere, pero la cuestión aún no se ha decidido definitivamente. La pintura de vasijas calcídicas fue influenciada por la pintura ática, corintia y especialmente jónica. Los jarrones se encontraron principalmente en lugares italianos como Caeri, Vulci y Rhegion, pero también en otros lugares del Mediterráneo occidental.

La producción de vasijas calcídicas comenzó repentinamente alrededor del 560 a. C. Hasta la fecha, no se han identificado precursores. Después de 50 años, alrededor del 510 aC, ya había terminado. Han sobrevivido alrededor de 600 jarrones y hasta ahora se han identificado 15 pintores o grupos de pintores. Estos jarrones se caracterizan por un trabajo de alfarería de alta calidad. La barbotina brillante que los cubre suele ser completamente negra después de la cocción. La arcilla tiene un color naranja. Los colores opacos rojo y blanco se usaron generosamente en la pintura, al igual que las marcas para producir detalles interiores.

La forma índice es el ánfora de cuello, que representa una cuarta parte de todos los jarrones conocidos, pero también hay copas para los ojos, enocoos e hidrias; otros tipos de embarcaciones son menos comunes. Los lekanis y las copas de estilo etrusco son excepciones. Los jarrones son económicos y estrictos en la construcción. El "pie de copa calcídica" es una característica típica. A veces se copia en jarrones áticos de figuras negras, con menos frecuencia en jarrones de figuras rojas. El más importante de los artistas conocidos de la generación anterior es el Pintor de inscripciones, de los representantes más jóvenes, el Pintor Phineus.

El primero es presumiblemente el creador del estilo; unos 170 de los jarrones supervivientes se atribuyen al muy productivo taller de este último. Probablemente sea también el último representante de este estilo. Las imágenes suelen ser más decorativas que narrativas. Se muestran jinetes, frisos de animales, imágenes heráldicas o grupos de personas. Una gran cruz de loto y palmeta es frecuentemente parte de la imagen. Las escenas mitológicas son raras, pero cuando ocurren, en general son de una calidad excepcionalmente alta.

La pintura de vasijas pseudo-calcídicas es la sucesora de la pintura calcídica. Está cerca del calcidio pero también tiene fuertes vínculos con la pintura de vasijas áticas y corintias. Así, los artistas utilizaron el alfabeto jónico en lugar del calcídeo para las inscripciones. La estructura de la arcilla también es diferente. Hay alrededor de 70 jarrones conocidos de este tipo, que fueron clasificados por primera vez por Andreas Rumpf. Es posible que los artesanos fueran sucesores de los pintores de vasijas calcídicas y ceramistas que emigraron a Etruria.

La pintura de vasijas pseudo-calcidianas se clasifica en dos grupos. El mayor de los dos es el Grupo Polifemo, que produjo la mayoría de las vasijas supervivientes, principalmente ánforas de cuello y oinocoas. Suelen mostrarse grupos de animales, menos raramente escenas mitológicas. Los vasos fueron encontrados en Etruria, en Sicilia, en Marsella y Vix. El Grupo Memnon, más joven y menos productivo, al que actualmente se atribuyen 12 vasos, tenía una distribución geográfica mucho menor, limitándose a Etruria y Sicilia. A excepción de un oinochoe, solo produjeron ánforas de cuello, que generalmente estaban decoradas con animales y jinetes.

Los jarrones del Grupo Northampton eran todos ánforas de cuello pequeño con la excepción de un ánfora de un solo vientre. Son estilísticamente muy similares a la pintura de vasijas del norte de Jónica, pero probablemente se produjeron en Italia y no en Jonia, quizás en Etruria alrededor del 540 a. C. Las vasijas de este grupo son de muy alta calidad. Muestran ricas decoraciones ornamentales y escenas que han captado el interés de los estudiosos, como un príncipe con caballos y alguien montado en una grulla. Son similares al trabajo del Grupo de Campana Dinoi y al llamado Northampton Amphora cuya arcilla es similar a la de Caeretan hydriai. El Grupo Northampton recibió su nombre de esta ánfora. Las redondas Campana hydriai recuerdan los modelos de Beocia y Eubea.

Los alabastrons con cuerpos cilíndricos de Andros son raros, al igual que los lekanis de Thasos. Estos son una reminiscencia de los productos beocios, excepto que tienen dos frisos de animales en lugar del friso único común en Beocia. Las placas de Thasian siguieron más bien los modelos áticos y con sus escenas figuradas son más ambiciosas que en los lekanis. Se conocen imitaciones de jarrones de Chios en el estilo de figuras negras. La cerámica local de figuras negras de Halai también es rara. Después de que los atenienses ocuparon Elaious en los Dardanelos, también comenzó allí la producción local de cerámica de figuras negras. Los productos modestos incluían lekanis simples con imágenes de contorno. En la Francia celta se produjo una pequeña cantidad de jarrones con estilo de figuras negras. Es casi seguro que también se inspiraron en los jarrones griegos.

La investigación académica sobre estos jarrones comenzó especialmente en el siglo XIX. Desde entonces se ha intensificado la sospecha de que estos vasos tienen un origen griego más que etrusco. Especialmente un ánfora del premio Panathenaic encontrada por Edward Dodwell en 1819 en Atenas proporcionó evidencia. El primero en presentar una prueba fue Gustav Kramer en su obra Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Sin embargo, tomó varios años para que esta idea fuera generalmente aceptada. Eduard Gerhard publicó un artículo titulado Rapporto Volcente en Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica en el que investigó sistemáticamente los jarrones; fue el primer erudito en hacerlo.

Con este fin, en 1830 estudió jarrones encontrados en Tarquinia, comparándolos, por ejemplo, con jarrones encontrados en Ática y Egina. Durante este trabajo identificó 31 firmas de pintores y ceramistas. Anteriormente, solo se conocía al alfarero Taleides. El siguiente paso en la investigación fue la catalogación científica de las principales colecciones de jarrones en los museos. En 1854, Otto Jahn publicó los jarrones en la Colección Estatal de Antigüedades de Munich. Con anterioridad se habían publicado catálogos de los museos del Vaticano (1842) y del Museo Británico (1851).

La descripción de la colección de jarrones en la Colección de Antigüedades Clásicas de Berlín, reunida en 1885 por Adolf Furtwängler, fue especialmente influyente. Furtwängler fue el primero en clasificar las vasijas por región de origen artístico, tecnología, estilo, forma y estilo de pintura, lo que tuvo un efecto duradero en la investigación posterior. En 1893, Paul Hartwig intentó en su libro Meisterschalen identificar a varios pintores basándose en inscripciones kalos, firmas y análisis de estilo. Edmond Pottier, curador del Louvre, inició en 1919 el Corpus Vasorum Antiquorum.

Todas las colecciones principales del mundo se publican en esta serie, que en 2009 ascendía a más de 300 volúmenes. La investigación científica sobre la pintura de jarrones áticos le debe mucho a John D. Beazley. Comenzó a estudiar estos jarrones alrededor de 1910, haciendo uso del método desarrollado por el historiador del arte Giovanni Morelli para estudiar pinturas, que había sido refinado por Bernard Berenson. Supuso que cada pintor creaba obras originales que siempre podían atribuirse inequívocamente. Hizo uso de detalles particulares como caras, dedos, brazos, piernas, rodillas y pliegues de ropa. Beazley estudió 65.000 jarrones y fragmentos, de los cuales 20.000 eran figuras negras.

En el curso de sus estudios, que duró casi seis décadas, pudo atribuir 17.000 de ellos por su nombre o utilizando un sistema de nombres pragmáticos, y clasificarlos en grupos de pintores o talleres, relaciones y afinidad estilística. Identificó a más de 1.500 alfareros y pintores. Ningún otro arqueólogo tuvo una influencia tan decisiva en la investigación de un campo arqueológico como Beazley, cuyos análisis siguen siendo válidos en gran medida hasta la actualidad. Después de Beazley, académicos como John Boardman, Erika Simon y Dietrich von Bothmer investigaron los jarrones áticos de figuras negras.

La investigación básica sobre la cerámica corintia estuvo a cargo de Humfry Payne, quien en la década de 1930 realizó una primera clasificación estilística que, en esencia, se está utilizando hasta la actualidad. Clasificó los jarrones según la forma, el tipo de decoración y los temas de la imagen, y solo después hizo distinciones en cuanto a pintores y talleres. Siguió el método de Beazley excepto por atribuir menos importancia a la asignación de pintores y grupos ya que un marco cronológico era más importante para él. Jack L. Benson asumió esta tarea de asignación en 1953 y distinguió a 109 pintores y grupos.

Por último, Darrell A. Amyx resumió la investigación hasta ese momento en su libro de 1988 Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period. Sin embargo, es un tema de discusión académica si es posible en el caso de la cerámica corintia atribuir pintores específicos. La cerámica laconiana se conocía desde el siglo XIX a partir de un número significativo de jarrones de tumbas etruscas. En un principio se atribuyeron erróneamente, considerándose durante mucho tiempo producto de Cirene, donde también se encontraron algunas de las piezas más antiguas.

Gracias a las excavaciones británicas realizadas en el Santuario de Artemis Orthia de Esparta, se identificó rápidamente su verdadero origen. En 1934, Arthur Lane reunió todo el material conocido y fue el primer arqueólogo en identificar a diferentes artistas. En 1956 los nuevos descubrimientos fueron estudiados por Brian B. Shefton. Redujo el número de pintores distintos a la mitad. En 1958 y 1959 se publicó otro material nuevo de Tarento. También se encontró una cantidad significativa de otros jarrones en Samos. Conrad Michael Stibbe estudió de nuevo los 360 jarrones que conocía y publicó sus hallazgos en 1972. Identificó cinco pintores mayores y tres menores.

Además de la investigación sobre la pintura de vasijas áticas, corintias y laconianas, los arqueólogos suelen estar especialmente interesados ​​en estilos italianos menores. Los Caeretan hydriai fueron identificados y nombrados por primera vez por Carl Humann y Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff y otros arqueólogos sospecharon erróneamente que el origen de la cerámica Chalkidischen era Eubea. Georg Ferdinand Dümmler es responsable de la denominación falsa de los jarrones pónticos, que supuso que provenían de la zona del Mar Negro debido a la representación de un escita en uno de los jarrones. Mientras tanto, la investigación sobre todos los estilos la llevan a cabo menos individuos que un gran grupo internacional de científicos. [Wikipedia].

RESEÑA: La cerámica griega de alrededor de 1000 a alrededor de 400 a. C. proporciona no solo algunas de las formas de vasijas más distintivas de la antigüedad, sino también algunas de las representaciones más antiguas y diversas de las creencias y prácticas culturales de los antiguos griegos. Además, la cerámica, con su durabilidad (incluso cuando está rota) y su falta de atractivo para los buscadores de tesoros, es uno de los grandes sobrevivientes arqueológicos y, por lo tanto, es una herramienta importante para los arqueólogos e historiadores para determinar la cronología de la antigua Grecia.

Sin embargo, cualquiera que sea su valor artístico e histórico, la gran mayoría de los jarrones griegos, a pesar de que ahora son piezas de museo polvorientas, en realidad estaban destinados al uso diario y, parafraseando a Arthur Lane, quizás valga la pena recordar que de pie sobre un pavimento de piedra y empapados de agua , alguna vez habrían brillado bajo el sol mediterráneo. La arcilla (keramos) para producir cerámica (kerameikos) estaba fácilmente disponible en toda Grecia, aunque la más fina era la arcilla ática, con su alto contenido de hierro que le daba un color rojo anaranjado con un ligero brillo cuando se cocía y el pálido beige de Corinto.

La arcilla generalmente se preparaba y refinaba en tanques de sedimentación para que se pudieran lograr diferentes consistencias de material dependiendo de los tipos de recipientes que se fabricarían con ella. La cerámica griega se fabricaba invariablemente en el torno de alfarero y, por lo general, se fabricaba en secciones horizontales separadas: el pie, la parte inferior y superior del cuerpo, el cuello y, finalmente, las asas, si era necesario. Luego, estas secciones se unieron con un "barbote" de arcilla después del secado y, en muchos casos, es posible ver las huellas del alfarero impresas en el interior de la vasija.

Luego, la pieza se volvió a colocar en la rueda para suavizar las marcas de unión y agregar la forma final. Por lo tanto, todos los jarrones eran únicos y las pequeñas variaciones en las dimensiones revelan que la norma era el uso de herramientas simples y no de plantillas recortadas. A continuación, se decoró la olla. Este proceso dependía del estilo decorativo en vogue en ese momento, pero los métodos populares incluían pintar la totalidad o partes del jarrón con una fina pintura adhesiva negra que se añadía con un pincel, cuyas marcas permanecen visibles en muchos casos. Esta pintura negra era una mezcla de potasa alcalina o sosa, arcilla con contenido de silicio y óxido de hierro ferroso negro.

La pintura se fijaba a la vasija usando un fijador de orina o vinagre que se quemaba con el calor del horno, uniendo la pintura a la arcilla. Otra técnica, menos utilizada, consistía en cubrir la vasija con una pintura de arcilla blanca. Alternativamente, solo se agregaron líneas o figuras en negro usando una versión más espesa de la pintura negra mencionada anteriormente y aplicada con un pincel rígido o una pluma; en consecuencia, se consiguió un ligero efecto de relieve. Los detalles menores a menudo se agregaban con una pintura negra diluida que daba un color marrón amarillento, una arcilla blanca para pipas y un rojo oscuro de ocre y manganeso. Los dos últimos colores tendían a desprenderse con el tiempo.

La vasija terminada estaba entonces lista para colocarse en el horno y cocerse a una temperatura de alrededor de 960 °C, que es relativamente baja y explica la 'suavidad' de la cerámica griega (en comparación, por ejemplo, con la porcelana china). Las ollas se quemaron varias veces (en el mismo horno) para lograr el acabado y la coloración requerida. Primero, la olla se coció en un fuego oxidante donde una buena ventilación del horno aseguró que el naranja/rojo de la arcilla saliera a la luz.

Luego, la olla se volvió a cocer en un horno sin oxígeno (proceso de reducción) agregando agua o madera húmeda dentro del horno. Esto aseguró que los colores pintados, particularmente el negro, se oscurecieran. Una tercera cocción, nuevamente con buena ventilación, volvió a enrojecer la arcilla de la vasija mientras que las áreas pintadas, ahora protegidas por una fina capa, mantuvieron su color original. Este complicado proceso obviamente requería una excelente sincronización por parte del alfarero para no estropear el jarrón con una decoloración indecorosa.

Los alfareros griegos produjeron recipientes prácticos para vino, agua, aceite y perfumes. El pintor y el alfarero (kerameus) solían ser, aunque no siempre, especialistas separados. Sin embargo, existieron asociaciones duraderas, como entre el alfarero Ergotimos y el pintor Kleitas. Muchos alfareros individuales y, con menos frecuencia, pintores, han sido identificados con certeza a través de sus firmas (más comúnmente como "... hizo esto"), aunque la mayoría de los jarrones griegos no están firmados. Sin embargo, el profesor JD Beazley, trabajando en el siglo XX d. C., identificó a más de 500 artistas sin firmar que se distinguen por su estilo particular.

La catalogación sistemática y completa de la cerámica griega de Beazley también ha permitido el estudio de su evolución en técnicas, diseños y decoración. Los pintores a menudo trabajaban en talleres colectivos, generalmente bajo la supervisión de un "maestro" alfarero (lo que sugiere que la forma era en realidad más importante que la decoración para los griegos). Aunque los artistas estaban libres de restricciones o controles políticos centralizados, sin duda fueron impulsados ​​por la demanda del mercado de estilos, temas y modas particulares. Muchos alfareros y artistas fueron prolíficos en su producción y, en algunos casos, se pueden atribuir más de 200 jarrones a un solo artista.

A la mayoría de los trabajadores de la cerámica no se les habría pagado más que a cualquier otro trabajador manual y un buen jarrón probablemente costaría solo el salario de un día. Ciertamente, sin embargo, algunos artistas habrían tenido una gran demanda y sus productos se vendieron no solo localmente sino a lo largo y ancho de todo el Mediterráneo. Los propios alfareros a veces se mudaron a otras ciudades, particularmente a colonias, a menudo llevándose consigo su estilo regional. También hubo cierta rivalidad entre artistas, como lo indica un comentario firmado en un jarrón, "mejor de lo que Euphronias podría haber hecho".

Aunque la cerámica griega nos brinda una amplia gama de formas, desde tazas hasta platos y ánforas masivas, muchas de las formas se mantuvieron relativamente constantes durante siglos. Esto se debe principalmente a que los alfareros griegos producían artículos para uso práctico (que contenían vino, agua, aceite y perfumes) y una vez que se había desarrollado la forma práctica óptima, se copiaba y se mantenía. Sin embargo, a pesar de esta restricción formal, los alfareros y pintores griegos pudieron expresar su versatilidad en la decoración del vaso.

Las formas más comunes de cerámica eran ánforas para almacenar vino, cráteras grandes para mezclar vino con agua, cántaros (oinochoai) para verter vino, kylixes o copas de pie con asas horizontales para beber (especialmente prácticas si se levanta una copa del suelo cuando se está recostado). una tumbona en la cena), hidra con tres asas para contener agua, skyphoi o cuencos profundos, y jarras lekythoi para contener aceites y perfumes. Precisamente porque estos objetos eran para uso práctico, las asas (cuando las hay) son generalmente resistentes, sin embargo, el alfarero, al usar formas cuidadosamente consideradas, a menudo lograba combinar estas adiciones en la armonía general de la vasija y se ayudaba en este esfuerzo con sutiles añadidos decorativos del pintor.

La cerámica griega, particularmente en términos de decoración, evolucionó a lo largo de los siglos y puede clasificarse en cuatro grandes grupos. Estos grupos o estilos, sin embargo, no pasaron abruptamente de uno a otro sino que, en algunos casos, fueron contemporáneos durante décadas. Además, algunas ciudades-estado y regiones tardaron en adoptar nuevos estilos o simplemente prefirieron la decoración de estilo "antiguo" mucho después de que dejaran de fabricarse en otros lugares. Además, algunas ciudades y regiones fueron constantemente un poco excéntricas en su decoración (notablemente Laconia-Esparta, Chipre, Creta y Beocia) y prefirieron seguir su propio camino artístico en lugar de imitar los estilos de los centros más dominantes como Atenas y Corinto.

El primer estilo distintivo de cerámica griega apareció por primera vez alrededor del año 1000 a. C. o quizás incluso antes. Con reminiscencias en la técnica de las civilizaciones griegas anteriores de Minoan Creta y el continente micénico, la decoración de la cerámica griega temprana empleaba formas simples, usadas con moderación. Sin embargo, la cerámica protogeométrica difiere de la minoica y la micénica en su forma. El centro de gravedad del vaso se mueve hacia abajo (creando un vaso más estable) con los pies y el cuello más articulados.

Los diseños protogeométricos más populares fueron círculos pintados con precisión (pintados con múltiples pinceles fijados a un compás), semicírculos y líneas horizontales en negro y con grandes áreas del jarrón pintadas únicamente en negro. Un nuevo motivo en las bases de las vasijas fueron las puntas triangulares verticales que perdurarían durante siglos y se convertirían en una característica básica del diseño posterior de la cerámica de figuras negras.

Alrededor del 900 a. C. apareció el estilo geométrico completo y favoreció el espacio rectangular en el cuerpo principal del jarrón entre las asas. Los diseños lineales audaces (quizás influenciados por la cestería contemporánea y los estilos de tejido) aparecieron en este espacio con una decoración de líneas verticales a ambos lados. Fue en este período cuando apareció por primera vez el diseño Maeander (quizás inspirado en la práctica de envolver hojas alrededor de los bordes de los cuencos de metal), destinado a quedar asociado para siempre con Grecia y aún hoy en día sigue siendo fuerte en todo, desde platos hasta toallas de playa.

La parte inferior de las vasijas geométricas a menudo se pintaba en negro y se separaba del resto de la vasija mediante líneas horizontales. Apareció una forma interesante de estilo Geométrico que era la caja circular con tapa plana, sobre la cual hacían de asa de uno a cuatro caballos. A partir del siglo VIII a. C., la decoración de cerámica geométrica comenzó a incluir figuras humanas estilizadas, pájaros y animales con casi toda la superficie del jarrón cubierta con líneas y formas llamativas pintadas en marrón y negro. Hacia el final del período en el siglo VII a. C., el llamado estilo orientalizante se hizo popular en Corinto.

Con sus conexiones comerciales orientales, la ciudad se apropió de las plantas estilizadas (por ejemplo, el loto, la palma y el árbol de la vida), los frisos de animales (por ejemplo, los leones) y las líneas curvas de la cerámica egipcia y asiria para producir su propia versión griega única. El resto del este de Grecia hizo lo mismo, a menudo prefiriendo el rojo sobre un fondo de engobe blanco. Atenas también siguió la nueva tendencia y se generalizó, por ejemplo, las Cícladas también producían cerámica en este nuevo estilo más libre, a menudo en jarrones muy grandes y con una decoración más espaciosa.

A finales del siglo VII a. C., la cerámica protocorintia alcanzó nuevos niveles de técnica y calidad, produciendo la mejor cerámica jamás vista, en cocción, forma y decoración. Las figuras estilizadas negras se grabaron cada vez con más precisión y se les dio cada vez más detalle, gracia y vigor. Así nació el célebre estilo de cerámica de figuras negras. Aunque primero se produjo en Corinto, luego con finos ejemplos hechos en Laconia y el sur de Italia (por colonos eubeos), serían los alfareros y pintores de Ática quienes sobresaldrían sobre todos los demás en el estilo de figuras negras, y pasarían a dominar el mercado griego durante los próximos 150 años.

No todas las figuras estaban pintadas de negro, ya que se adoptaron ciertas convenciones de color, como el blanco para la carne femenina y el rojo púrpura para la ropa y los accesorios. Es característico del estilo un mayor interés por los detalles finos como los músculos y el cabello, que se añadían a las figuras con un instrumento afilado. Sin embargo, son las posturas de las figuras las que también marcan la cerámica de figuras negras como el cenit de la pintura de vasijas griegas. Las figuras más finas reciben gracia y equilibrio y, a menudo, se ilustran en los momentos previos al movimiento real o al descanso después del esfuerzo.

El famoso jarrón de Exekias, con Ajax y Aquiles jugando un juego de mesa durante la guerra de Troya, es un excelente ejemplo de la dignidad y la energía que podía lograr la pintura de figuras negras. Además, los jarrones de figuras negras a menudo contaban, por primera vez, una narración. Quizás el ejemplo más célebre es el Vaso de Francois, una gran crátera de voluta hecha por Ergotimos y pintada por Kleitas (570-565 a. C.) que mide 66 cm de alto (26 pulgadas) y está cubierta con 270 figuras humanas y animales que representan una asombrosa variedad de escenas y personajes de la mitología griega. Otras vasijas típicas del estilo de figuras negras son ánforas, lekythoi, kylixes, copas simples, píxides (pequeñas cajas con tapa) y cuencos.

La técnica de figuras negras fue reemplazada por la técnica de figuras rojas (figuras rojas creadas pintando su contorno con un fondo de engobe negro) alrededor del 530 a. C., que perduraría durante los siguientes 130 años más o menos. Los dos estilos fueron paralelos durante algún tiempo e incluso hay ejemplos 'bilingües' de jarrones con ambos estilos, pero la figura roja, con su ventaja del pincel sobre el graver, podría intentar retratar de manera más realista la figura humana y finalmente se convirtió en el estilo favorito de la decoración de la cerámica griega.

Quizás influenciado por las técnicas contemporáneas de pintura mural, detalles anatómicos, diversas expresiones faciales, mayor detalle en la ropa (especialmente en los pliegues, siguiendo la nueva moda del vestido de quitón más ligero que también fascinó a los escultores contemporáneos), mayores intentos de retratar la perspectiva, la superposición de figuras , y la representación de la vida cotidiana, como la educación y las escenas deportivas, son todas características de este estilo.

Las formas de las vasijas de figuras rojas son generalmente las del estilo de figuras negras. Una excepción es el kylix que se vuelve menos profundo y con un pie más corto, convirtiéndose casi en un tercer mango. Además, la narración pintada debe leerse girando la copa en la mano. Otras modificaciones menores son la hidra, que adquiere una figura un poco más voluminosa y el cuello-ánfora más delgado. Los lekythoi de este período comúnmente tenían un fondo blanco al igual que (más raramente) tazas y cajas.

En el siglo IV a. C., tal vez al intentar copiar las innovaciones en perspectiva del fresco contemporáneo, el estilo de figuras rojas revelaría sus limitaciones y los jarrones degenerarían en escenas sobrecargadas con extrañas perspectivas flotantes. Significativamente, la pintura de cerámica ya no estaría vinculada intrínsecamente a la forma que decoraba y, por lo tanto, dejó de existir como una forma de arte por derecho propio. En consecuencia, la atención y la excelencia artística se alejarían de los confines de la cerámica hacia otros medios más abiertos, como la pintura mural.

En conclusión, entonces, podemos decir que la cerámica griega no solo nos ha brindado algunas de las formas y diseños más distintivos, influyentes y hermosos de la antigüedad, sino que también nos ha brindado una ventana a las vidas, prácticas y creencias de un pueblo. desaparecida hace mucho tiempo y de quien muy a menudo no tenemos ningún registro escrito contemporáneo. Estos objetos cotidianos, a diferencia de otros sobrevivientes arqueológicos de la literatura, la escultura y la arquitectura, nos permiten sentirnos un poco más cerca de la gente común del mundo antiguo, aquellos que no podían permitirse el lujo de las bellas artes o las joyas preciosas, pero podían disfrutar de poseer un bien hecho. objeto como un jarrón griego. [Enciclopedia de Historia Antigua].

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Publisher ‎Kimbell Art Museum (1983)
Length 329 pages
Dimensions 11 x 8½ x 1 inch; 2¾ pounds
Format Oversized illustrated softcover
  • Editor: Museo de Arte Kimbell (1983)
  • Longitud: 329 páginas
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